Cine - Scifiworld http://www.wordpress.scifiworld.es Thu, 21 Jun 2018 10:20:30 +0200 Joomla! - Open Source Content Management es-es -¿Qué es lo que ponen? - ¡Una de Han Solo! http://www.wordpress.scifiworld.es/cine/que-es-lo-que-ponen-una-de-han-solo.html http://www.wordpress.scifiworld.es/cine/que-es-lo-que-ponen-una-de-han-solo.html

La mitología que han disfrutado varias generaciones en las pantallas se ha convertido, en manos de la factoría Marvel, en una fórmula agotada..., aunque hay galaxia para rato.

HAN SOLO: LA PELÍCULA

(Nota: absténganse de la lectura quienes aún no han pasado por sala)

Tal y como lo veo, aquí hay dos películas que se cruzan, y una de ellas –la que propongo en este primer epígrafe, Han Solo– es la que se está encargando de frenar la recaudación.

Los aplausos se los lleva A Star Wars Story -la segunda película que distinguiré- porque , en la línea de su hermana Rogue One, ofrece acción -pese a ciertas arritmias- y un estilo y escenografía marca Star Wars.

La diferencia en el filme de Gareth Edwards, estriba en que los personajes icónicos son absolutamente reconocibles (aunque tengan encarnadura digital) y aparecen en breves pero intensos cameos, algo evidentemente dificíl de conseguir en un filme como Solo donde el contrabandista espacial es el elemento protagónico y está presente en la mayor parte del metraje. Puede entenderse la decepción del fandom de la saga que, aferrado al título de esta primera película Han Solo, ve cómo se frustran sus expectativas en el resultado final.

“Johnny Weissmuller era un poco más bajo que el Empire State y dos palmos más altos que el Capitolio”. La descripción que el escritor F.G. Haghenbeck pone en boca de su detective Sunny Pascal sirve para ilustrar el dicho de que “la reina además de serlo, tiene que parecerlo”. O sea, que por muy cracks que resulten en otros géneros, no veo a Edward G.Robinson o Gene Wilder en la piel de Tarzán, por poner algún ejemplo.

Si lo que dice Leia en la escena en que conoce a Luke: "No pareces un soldado imperial”, es un detalle menor para el personaje de Mark Hamill, distinto sonaría al oído del joven contrabandista, sobre todo porque no es a Solo a quien hay que encarnar, sino a Harrison Ford. O mejor, replicar su carisma.

Y si en los interludios íntimos con Qi´Ra, Alden no mengua aún más es porque Emilia Clarke se ajusta a su estatura. A veces, el tamaño sí importa: Alan Ladd, el galán del cine negro, para no perder apostura se subía a un altillo para alcanzar los centímetros de Veronica Lake. Ambos tipos de estatura están ausentes en esta supuesta e infilmada película sobre Han Solo.

Los rasgos físicos o de carácter de un actor han sido fundamentales en el Hollywood de los estudios y en el actual sistema de corporaciones multinegocio para crear personajes icónicos que ya son historia del cine. ¿Que es lo que nos hace decir “Hoy ponen una de John Wayne” o de Bogart, Chuck Heston, Lee Marvin, De Niro... Precisamente es el resultado de la alquimia que funde los rasgos físicos y de carácter de un actor con el personaje de manera que no sabes dónde empieza uno o termina el otro . Ese magnetismo, ese aura de seducción no es otra cosa que el carisma.

Y nada de esto ocurre en “Han Solo...”

En Mos Eisley, el personaje aparece ya con los atributos del héroe, definido como un cínico y arrogante cowboy espacial. El propio Kasdan confiesa que el western es uno de sus universos de referencia y por eso acude a este préstamo de género para recrear al personaje en su juventud, pero los encuadres y escenas far west -el duelo final con Beckett- no son suficientes para insuflar el aura mítica que Solo exige.

Lawrence Kasdan, a cuatro manos con su hijo, asume el reto a riesgo de elegir una perspectiva equivocada para visualizar las “juventudes del héroe”.

El guión de Kasdan construye no una mitología, como sí se ha hecho (guste o no) con Anakin al contar en la trilogía desde sus orígenes a su transición al lado Oscuro. Lo único que hace el guión es ilustrar ciertas partes que en A New Hope y Empire Strikes Back aparecían en boca de Han Solo y Lando como meros apuntes. Kasdan pone imágenes a lo que allí quedaba a criterio de la imaginación.

Lejos de construir una mitología del personaje, lo que se hace es ilustrar elementos narrativos obviados en las trilogía clásica por pura economía de producción o por considerar que eran accesorios en los episodios IV y V. Hay, por tanto, más trabajo evocativo que creativo, más de ilustración que de alquimia.

En relación a la mitología SW, lo más reseñable es la descripción del primer encuentro entre Chewie y Solo. El propio Kasdan Sr. habla con entusiasmo de esa relación: “Sobre esa base puedes construir un montón de momentos divertidos”.

Y lo hace desde la autoreferencia a la saga, repitiendo la estructura de la escena de Empire Strikes Back en la que Luke cae en la trampa de Jabba pero introduciendo en esa paráfrasis visual una variación final que sirve como presentación al wookie. Sencillamente excelente.

En esta inexistente Han Solo: la película destacaría, junto a la presentación de Chewie, la apuesta por recuperar parte de la gestualidad de Solo, de sus tics humorísticos, la camaradería y el cinismo, o la capacidad para salir airoso de las situaciones más enrevesadas, exigencias básicas en la biopic de un personaje de ficción sobradamente conocido, aunque poco aporta de originalidad debido a una falta de ambición en el guión (cuestiones de autoría aparte) y, por supuesto, errores de casting (prueben con Anthony Ingruber en youtube).

También se agradece la idea de escribir escenas que muestren el origen de determinados rasgos de carácter que en la trilogía original apenas se abocetan (me refiero al fondo de armario de Calrissian, cuya obsesión por las capas informan de su refinamiento y pulcritud, algo llamativo en un tahúr galáctico que miente más que habla.

Es el mismo Lando de quien se sirve Kasdan para hacer más guiños a la trilogía original; por ejemplo al recrear el esquema de la recepción en Bespin de Luke y Leia. De nuevo Lando vuelve a ignorar a Solo, eclipsado por los encantos de su acompañante, esta vez Qi´Ra.

Para ser honestos y por mucho que nos guste imaginar su continuidad a quienes crecimos con esos personajes en pantalla, el empeño de mantener viva la seducción que entonces provocaron corresponde más al ámbito de la necrofilia que de la cinefilia. No conviene extraer a los mitos del marco narrativo que les sirve de soporte. El arco vital del cuarteto estelar ( Anakin, Luke, Leia y Solo ) se completó con Revenge of the Sith (2005), aunque sospecho que la todopoderosa Disney no va a respetar su memoria ahora que más que una saga sólo es una franquicia a exprimir.

Y sembrar la historia de guiños y cameos , tanto propios (el casco de Lando, los dados de Han, aparición de Anthony Daniels) como ajenos (el ídolo áureo de Indiana Jones, aparición de Warwick Davis) no pasa de ser una maniobra de distracción para disimular el asunto mayor.

UNA HISTORIA DE STAR WARS: LA PELÍCULA

Respecto a este “segundo filme” , que cuenta con más libertad creativa por ser la menos deudora de las exigencias de la saga, decir que hay cosas que funcionan y que hacen que este aspirante a spin-off se salve por ser lo que no pretendía: una entretenida película de aventuras con cierto aliño starwars en su diseño aunque alejada, eso sí, de la épica del género space-opera donde se ubicaba la línea narrativa central de la saga. Por tanto, es libre para absorber cualquier género compatible con la acción y la aventura. Y lo hace.

Por ejemplo, en la secuencia del planeta Vandor, deudora del cine de atracos ferroviarios. Es original y funciona a la perfección por su escenografía, por su ritmo de montaje, por el suspense creado en su ejecución y por lo inesperado de su resolución, la muerte de Val (Thandie Newton) que marca un leve punto de inflexión en la historia.

Bien por respetar otro de los rasgos identificadores de la saga (aunque exigible por imperativo de franquicia) como es mostrar diversidad de planetas por los que transita la acción y, en concreto, los vinculados a la trilogía clásica: el planeta/astillero Corellia y las minas de Kessel, aunque la secuencia escapista por el corredor de Kessel parece la obligada concesión a la epifanía digital con la que se refuerza la espectacularización de cualquier blockbuster.

Cuando Jon Kasdan declara que “lo que nos movía era, más que una película sobre los orígenes, poder hacer una peli del oeste y crímenes divertida y que Han era un personaje chulo para ponerlo en el centro de todo esto”, suena a declaración de intenciones. Por decirlo cacofónicamente: dejar solo a "Solo" descompensando así el producto final.

Y si, a tenor de sus declaraciones, el objetivo es recrear el mundo criminal de los bajos fondos para dar a conocer a la escoria de la galaxia, no hace falta recurrir al aval de Han Solo, sobre todo porque en esta operación, en vez de sumar, se resta.

En dos líneas: la película funciona bien como aventura en la periferia del universo principal de la saga, pero no aporta nada a la mitología del personaje de Han Solo.

Y puestos a elegir un título apropiado que me libere del engorro de comentar “dos películas en lugar de una” y que no defraude al fandom mundial, propondría el siguiente : Lando Calrissian: una historia de Star Wars.

VIEJOS Y NUEVOS PERSONAJES EN LA GALAXIA

Antes de ser engullida por la Disney, Lucas Films ya era una potente destilería de personajes. En este filme y con el ojo puesto en posibles secuelas aparecen nuevos personajes que añadir al merchandising, pero que apuntan maneras. Junto a ellos, viejos conocidos que nos conectan a la marca.

Hagamos un repaso selectivo:

Por empezar por los viejos personajes, mencionar el acierto -esta vez sí- de la elección de Donald Glover para encarnar al tahur más fashion de la galaxia y que encaja en la idea que los fans pueden tener de un Billy Dee Williams juvenil, reconociendo que lo que Glover/Calrissian ha hecho con Ehrenreich/Solo, ha sido lo mismo que Harrison Ford hizo en aquella galaxia tan lejana con Mark Hamill: pisarle el plano.

Nada que decir de Joonas Suotamo bajo el pelaje de Chewie, un actor que ha mejorado su emulación de nuestro favorito felpudo con patas desde que Disney lo fichó al relanzar la franquicia. Lo mismo sirve para personajes tan inorgánicos como el carguero corelliano YT 1300, alias Halcón Milenario, esa orgullosa nave de pulido metal que con los años será “la chatarra más rápida de la galaxia”.

La gran novedad es la creación del androide L3-37 que sirve a Lando de pareja cómica y que compite con el otro duo (Chewie-Han) por el favor del público , con su versión galáctica de la guerra de sexos que incorpora el apunte feminista al invertir los roles convencionales de dominador y dominado y que además aportauna fugaz reflexión acerca de las relaciones afectivas entre droides y humanos.

Pero L3-37 es también el mejor pretexto para justificar el fracaso de este spin off . Como afirma un crítico de El Mundo: “si un robot devenido en alma del Halcón Milenario es el personaje más carismático, algo anda mal”.

Hay otro personaje que promete una buena evolución si se plantea una continuación de esta irregularpelícula. Se trata de Enfys Nest , algo más que una máscara pirateada del universo distópico de Mad Max y que oculta a alguien a quien seguir como lider de los Cloud-Riders, presunto germen de la rebelión contra la ocupación planetaria por las huestes imperiales. Aquí hay mucho juego.

Lamentar la pérdida al final del primer acto, de dos personajes-fuerza, el de Val y del piloto ardeniano Río Durant. En pocos minutos consiguen transmitirnos su empatía.

Con quien tengo ciertas dudas es con Qi´Ra, un personaje creado ad hoc para dar réplica emocional a Han Solo y que aparece con un arco narrativo muy acelerado, pasando en dos horas de ser señuelo romántico a presunta pupila de un Sith. Más que un personaje integrado, me parece más bien “incrustado”.

Sospecho que si no sufre un rediseño funcional, terminará siendo otra versión de algo tan saqueado en la saga como es la relación maestro-aprendiz. A saber: Qui-Gon/Obi Wan; Obi Wan/Anakin; Anakin/Luke; Luke/ Kylo Ren; Luke/ Rey; incluso el mismo “Beckett” funciona como maestro de oficio para el joven Han.

Por último, el cameo holográfico de Darth Maul funciona como sugerencia para nuevos lances e intrigas en ese conglomerado de historias de Star Wars pendientes de filmar y donde el Sith cornudo, junto al sindicato “Crimson Dawn” puede resultar un digno antagonista de los luminosos héroes de turno.

Avancemos un momento hacia el final de la sinopsis:

“Qi'ra mata a Vos. Qi´Ra promete a Han reunirse con él en breve .

Qi'ra contacta a su superior, Darth Maul(¡sorpresa!); Qi´Ra miente al informar sobre el asesinato de Vos. Han mata a Beckett. Qi'ra pone rumbo a Dathomir. Han mira al cielo perplejo. Qi´Ra feliz por ser futura lider del sindicato.

Han entrega el coaxium a Enfys. Han rehusa el ofrecimiento de unirse a la rebelión. Han descubre que Lando es tramposo. Han da a Lando de su propia medicina. Han y Chewie se dirigen a Tatooine para ofrecer sus servicios a un gángster. Créditos finales.”

Esta sinopsis acelerada es reflejo de la acelerada edición del filme en su último tramo, con secuencias recortadas en su timing como se constata en la rapidez con que Han da alcance a Beckett en las dunas, habilidad más propia del Flash de DC o del Correcaminos.

En fin, escenas desganadas y planos secuestrados que junto con una insuficiente luminosidad en determinadas secuencias de interior –en la timba de sabacc– hacen que el resultado final no merezca un pleno de aplausos.

REFLEXIONES DE ÚLTIMA HORA

Me habría servido si Alden se hubiese dejado poseer por Han Solo con la misma intensidad con que lo fue River Phoenix por un joven Indi en aquel excelente prólogo de Indiana Jones and the Last Crusade (1989); o Nicholas Rowe por el futuro detective de Baker Street en Young Sherlock Holmes (1985) o, a la inversa, del mismo modo que un Robin Williams en su salsa se funde con un senior Peter Pan en Hook (1991) o años antes hizo con Popeye (1980).

En este caso, Alden se pasea inseguro por un filme sobre el que hay puestas millones de miradas, esforzándose en sonreír y en imitar, pero sin conseguir replicar el espíritu canalla del original, mostrándose ingenuo en vez de arrogante…, en fin, un rostro diáfano, de buen chico, a años luz de la socarrona impronta del Solo de los ochenta.

A mi entender, el camino a seguir por Disney/Lucas Films pasa por la construcción de una nueva mitología desde los márgenes del ciclo mitológico cerrado con la muerte de Vader, abandonando los conceptos de La Fuerza y de las épicas luchas entre el Bien y el Mal; probando con tramas que, sin renunciar a viajes galácticos y exploración de nuevos planetas, sustituyan la tragedia por la aventura y el suspense. Hay un amplio catálogo de personajes que esperan su momento de gloria y que han ido apareciendo en el universo expandido en papel (comics y libros) y en las series animadas de Star Wars, junto a personajes reutilizables e integrados en la saga como droides, wookies o alienígenas de máscara, con la ventaja de que no envejecerán nunca. Material suficiente para crear algo nuevo sin renunciar a las señas de identidad de la franquicia.

Lo contrario sería dar palos de ciego, exprimir una fórmula agotada en sí misma.

Mientras corrijo me doy cuenta de que, junto a las posibilidades que ofrece el final de este improbable spin-off, hay suficientes elementos como para intentar una secuela confiando en que el tono, el ritmo y el diseño de personajes sean los correctos. ¿Voto de confianza...?

Como espectador, me gustaría ver esa secuela siempre y cuando se den ciertas condiciones:

Que aparezca alguien más carismático para encarnar a Solo (no es nada personal, Alden);

Que en la escritura del guión haya aportaciones al mito con nuevos, inesperados, y llamativos elementos;

Que no se condene a una muerte prematura a personajes con un alto grado de empatía,

Y que el personaje impulse los acontecimientos y no sean los acontecimientos los que ahoguen al personaje.

Encenderé un par de velas.

  • Star Wars
  • Solo: A Star Wars Story
  • Ron Howard
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    char64kim@yahoo.es (Jose Manuel Paradela) Críticas Tue, 19 Jun 2018 17:14:10 +0200
    Una odisea fascinante. Episodio sexto. http://www.wordpress.scifiworld.es/home/una-odisea-fascinante-episodio-sexto.html http://www.wordpress.scifiworld.es/home/una-odisea-fascinante-episodio-sexto.html Una odisea fascinante. Episodio sexto.

    Un hombre tranquilo en un mundo incesante.

    El software jamás hace una película entretenida. Es lo qué haces con el software lo que la hace.”

                                                                                                                       John Lasseter.

    No sería justo terminar de hablar de Ilion, sin mencionar la capital labor de la U-Tad en su proceso. Y el mejor hombre para ello es también su director académico del área de animación, José Antonio Rodríguez. Llama poderosamente la atención su tono conciliador y casi narcótico, rozando el encantamiento. La impresión se refuerza cuando responde a las preguntas otorgándolas un grado de información extraordinaria. Y todo expresado desde el mismo centro de la calma, teniendo un pie en la U-Tad y otro en el futuro digital. Esta dislocación refleja un mundo en movimiento, uno en el que el 80 por ciento de los contenidos serán animados o tendrán alguna relación con la animación digital, según él mismo me contó. Sus veinte años de director de producción lo han convalidado para formarse y, sobre todo, para convertirse en un afilado observador de su profesión. Desde aquel Defensor 5, la primera serie de animación en 3D en España, hasta Planet 51 (Jorge Blanco, 2009) ha viajado por muchos lugares y ha conocido a mucha gente y esa experiencia la ha trasladado a su forma de trabajar en la U-Tad a día de hoy. El esfuerzo es fundamental, la herramienta primigenia. Nos contó la anécdota de un estudiante de animación que tuvo un accidente y su mano derecha enyesada no le impidió seguir asistiendo a clase, empezando a dibujar con la izquierda. La superación tiene que ser la verdadera gasolina creativa en cualquier nivel artístico. Y sin dejar de mirar el elemento económico, el arte tiene que abrirse paso en la educación compartiendo tales valores nucleares. 

                           0P3A4183

    Su objetivo es la consolidación de una enseñanza, me dijo y por esa razón empecé preguntándole por el “statu quo” de la animación en nuestro país. Uno de los grandes problemas graves de la animación en España es de índole educativa. Lógicamente no estoy hablando de la asignatura de dibujo de los colegios o institutos, sino de su transformación. Quizás su enseñanza en mi pasado fue la causante de mi desidia en mi presente por ejemplo. Y es que los planes de estudio tienen que ser las piezas fundamentales del rompecabezas cultural de cada país. El establecimiento de un vínculo con la enseñanza alimenta el conocimiento del mismo medio y, creo que lo más importante, la conciencia de realizar algo creativo e imaginativo con una fuerte raigambre cultural. Siempre defenderé que el séptimo arte se tendría que enseñar en un aula, y no en una cualquiera, sino en una pública. Las cosas están cambiando a una velocidad estratosférica. Hasta hace unos años la historia del cine animado español se podía contar en sus películas, que además también se podían contar con los dedos de la mano. Ahora estamos en medio de una época dorada donde las instituciones, más privadas que públicas, se están consolidando y reformulando el tejido industrial animado. Nunca tuvimos tantas opciones académicas como los estudios Lightbox y su academia o la Kandor Graphics y su afiliación con la Universidad de Granada. Pero ninguna ha llegado tanto como la U-Tad, convirtiéndose en el primer centro universitario donde se imparten los postgrados y masters de diferentes disciplinas. Desde los Grados Oficiales (en Animación o en Diseño Digital por citar unos pocos) hasta los Ciclos Formativos Grado Superior (en Animación 3D o en Desarrollo de Aplicaciones Multiplataforma) José Antonio fue muy crítico con la duración de dichas titulaciones y sus 600 horas lo corroboran, no solo a efectos legales, sino a computo educativo. Menos de esas horas estaríamos hablando de otras titulaciones que otras instituciones están ofertando. Con una férrea idea en mente, crear un nicho de talento preparado y listo para adentrarse en una naturaleza en continua transformación, armándose con las técnicas más avanzadas del mercado actual y otras creadas ex proceso, la única opción viable no solamente técnica sino artística se hunde en la labor académica sin dejar de otear a la industria.

     

                                                                                                        FIN.

                              

    • Una odisea fascinante
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      Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Animación Fri, 15 Jun 2018 21:55:00 +0200
      Sant Martí http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/sant-marti.html http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/sant-marti.html Sant Martí

      Hillbilly Horror a la catalana

      Como apertura de la cuarta edición del festival Sant Cugat Fantastic, se proyectó la cinta Sant Martí, una pequeña película de terror rural que en este medio hemos tenido la oportunidad de ver.

      Un grupo de jóvenes se dirige a un festival de rock que se celebra en las montañas. Una avería les obliga a parar en Sant Martí, un pueblo de la Cataluña profunda venido a menos con los años.

      La película de David C. Ruiz y Albert València sigue punto por punto el marcado esquema de las cintas en las que se inspira e incluso homenajea. Véase, en primer lugar, un grupo de jóvenes con intención de divertirse y correrse una última juerga antes del matrimonio, en segundo una avería o un extravío les provoca terminar en el lugar menos adecuado y por último el consiguiente cara a cara con los rednecks de turno que, para bien del espectador, darán buena cuenta de ellos. Las reminiscencias son infinitas: Las Colinas tienen OjosKm. 666: Desvío al InfiernoLa Matanza de Texas, a la que homenajea en más de un punto o 2000 Maníacos, con la que comparte concepto de pueblo de psicópatas compinchados y la presencia de un alcalde patriarca (aparición tardía y breve la del alcalde, pero tal vez el mejor personaje del film). Pero si hay una obra con la que más comparte factores, esta bien podría ser Tucker & Dale vs. Evil ya que las notas de comedia terminan siendo altas y a su vez, este humor, casa a la perfección con el hillbilly horror ibérico que Sant Martí nos muestra.

      Tarda algo en arrancar, como ya le ocurría a otras producciones del mismo corte como Don't Speak y ya desde prácticamente el inicio sus autores nos dejan claro que el humor y el horror irán de la mano con una alegoría a la cultura catalana, con speach incluido del folklore más oscuro de la zona, que elevan si cabe algo más el interés por lo que vaya a suceder (aunque todos ya lo sabemos) o el por qué sucede (¿de verdad le importa a alguien?).

      El nivel de producción es bajo, pero muy inteligentemente está bien empleado: Un cast con tablas, una duración perfecta y un contenido que lo tiene todo para el disfrute del fan: asesino enmascarado, final girl, secuencias gore conseguidas (aunque estas se hagan de rogar) e incluso un polémico mensaje final que tiene miga: a cada cerdo, como ya sabemos todos, le llega su San Martín, entendiendo como cerdos aquí a los urbanitas acomodados que no saben lo que es el trabajo de verdad, los aspirantes a estrellas o los bikers que tan de moda están ahora. Evidentemente, es un mensaje que si bien, al igual que el resto de la cinta, no hay que tomarse muy en serio, aunque ya sabemos que para muchos colectivos eso, hoy en día, es bastante complicado. 

      En resumidas cuentas, horror y diversión garantizados en una digna película de espíritu gamberro y que, de alguna forma, al emular de forma correcta aquellas cintas que todos llevamos en el corazón, te hace pasar un rato más que amable.

       

      • Sant Martí
      • David C Ruiz
      • Albert Vslencia
      • Raul Tortosa
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        ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 15 Jun 2018 17:00:37 +0200
        Los Extraños: Cacería Nocturna http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/los-extranos-caceria-nocturna.html http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/los-extranos-caceria-nocturna.html Los Extraños: Cacería Nocturna

        Presas en la noche.

        Como muy bien explica Antonio José Navarro en su recomendable ensayo literario El Imperio del Miedo, el cine de horror norteamericano post 11-S ha profundizado de forma perturbadora en la paranoia social que a todos los niveles marcó a la sociedad estadounidense, comparando esta catarsis con la causada en los años treinta con el cine de terror de la Universal, con respecto esto a la Gran Depresión. Los Extraños (2008), un film menor pero que en breve se tornó en una pseudo-cult movie, era una de las cintas muy acertadamente colocada entre los títulos del libro. Justo diez años después nos llega la segunda entrega que, si bien se diferencia en más de un factor con su predecesora, sigue demostrando que este cine americano del nuevo siglo se ampara en quebrar los límites más extremos del orden social. 

        Dirige, esta tardía secuela, el ya experimentado Johannes Roberts, un señor que comenzó su carrera creando carroña de videoclub y que con los años y acercándose a los productores adecuados (Aja) ha ido estrenando en salas películas como El Otro Lado de la Puerta o A 47 Metros. El libreto corre a cargo de Bryan Bertino (director del primer film y autor después de las fallidas Mockingbird y The Monster) y de Ben Ketai (responsable de la segunda parte de 30 Días de Oscuridad: Tinieblas o del buen thriller de mineros Beneath). Entre todos han sacado adelante una de las piezas de horror más esperadas para este 2018 y lo cierto es que el resultado final, si bien puede antojarse en un principio manido, termina rebosando lucidez.

        Un matrimonio y sus dos hijos se embarcan en un viaje por carretera y deciden pasar una temporada en un campamento para remolques antes de internar a su problemática hija en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido con la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y asesinan sin piedad.

        Roberts se desmarca del home invasion más puro para esta ocasión tirando más por los derroteros del survival slasher, adecuada decisión teniendo en cuenta sobre todo lo que da de sí el escenario que se nos muestra en la película, el típico trailer-park americano, aquí desierto, dando lugar a una serie de lugares y situaciones de lo más terroríficas. La primera película (y no quiero entrar en comparaciones) estaba acompañada de un halo más de autor y un ritmo más lento, mientras que este nuevo film va más al grano y tarda poco en enseñarte unas cartas que por otro lado ya conocíamos de la entrega de Bertino. Esto la hace más llevadera y divertida. 

        No es que esté rodada de una forma totalmente innovadora. Para nada, al revés, se ha filmado con el "manual de como rodar cintas de terror para público generalmente juvenil" (del difunto Wes Craven), pero tampoco necesitaba nada más allá, con esto le sobra y le basta. Lo que si destaca es la fotografía y la estética visual que se da en la oscuridad durante el transcurso de la noche, una sucesión de luces elegantes que son el acompañamiento perfecto al carrusel de clichés y sustos que se van sucediendo en pantalla. 

        El reparto cumple. Es evidente que todas las miradas estarán en una Christina Hendricks que sorprenderá al personal, y no precisamente para bien, ya que aunque su papel lo desempeña con soltura, será la primera en iniciar el body-count. La verdadera protagonista sobre la que recaerá el peso de la película y muy especialmente a partir del ecuador de ésta, Bailee Madison, interpreta casi sin pestañear, como si no la hiciera falta ser dirigida, ya que prácticamente conoce todas las pautas a seguir de las miles de películas del mismo corte que ya habrá visto. Aun así, más que suficiente para llevar Cacería Nocturna a buen puerto y para plantarle cara a los asesinos. Unos asesinos, por cierto, que no necesitan motivación para hacer lo que hacen. Queda de manifiesto en una de las mejores secuencias de la película y a mí, personalmente me parece genial. Puede que huela a truco de guion a kilómetros, pero un simple "why not?" le es más que necesario a un psicópata para llevar a cabo sus fantasías.

        El final es más de lo mismo, nunca sabes cuándo será el definitivo, los ecos de las Scream Sé lo que Hicisteis el último Verano son infinitos, pero la tensión y el tempo te ponen en bandeja el verdadero desenlace, el que muestra que esta segunda Los Extraños acaba como debe; con una Final Girl ensangrentada al amanecer, así da gusto.

        En resumidas cuentas, una película de terror que sirve para abrir el verano cinéfilo y que sin descubrir el fuego te hará pasar algo menos de noventa minutos contemplando un pasatiempo sádico de los más entretenido. Se ignora si habrá tercera parte, aunque se deduce, por lo que ha costado levantar esta segunda que será difícil. Eso sí, si ocurre toca cambio de maníacos.

        • Los Extraños: Cacería Nocturna
        • The Strangers: Prey at Night
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          ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Thu, 07 Jun 2018 19:42:39 +0200
          Solo: una historia de Star Wars http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/solo-a-star-wars-story.html http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/solo-a-star-wars-story.html Solo: una historia de Star Wars

          "I have a good feeling about this."

          Tras las vicisitudes durante el primer rodaje de Solo: A Star Wars Story por fin tenemos las nuevas aventuras del sinvergüenza más célebre de la tan lejana galaxia. Olvidadas parecen ya en el tiempo, las complicaciones en el set que tuvieron la dupla original de directores Phil Lord y Chris Miller. Bajo el eufemismo de "diferencias artísticas" la todopoderosa Kathleen Kennedy no dudó, cual Reina de Corazones, en cercenar las cabezas de los responsables de títulos de una lograda originalidad como Cloudy with a Chance of Meatballs (2009) o The Lego Movie (2014). Acusados, supuestamente, por querer contar una comedia alocada alejada del espíritu original del guión de los Kasdan (padre e hijo), se nos antoja poco creíble dicha excusa. De hecho, la película presenta constantes recursos humorísticos que no desvían la atención de la trama principal. Más plausible parece que la causa real de dicho despido fuera la indecisión a la hora de seleccionar las secuencias correctas, la repetición de tomas o el incumpimiento en los plazos de tiempo (el 30 de enero de 2017 empezó el rodaje que duró hasta el despido de los cineastas el 15 de junio).

          La Kennedy, nuestra villana favorita, para salvar el proyecto encomienda al siempre cumplidor Ron Howard, otrora niño prodigio reconvertido en director de productos pulcros -Frost/Nixon (2008)- pero no especialmente emocionantes (quizás su mejor trabajo nos lo brindara en 1995 en la notable Apollo 13), la dirección de un nuevo rodaje (de 29 de junio hasta el 17 de octubre) en donde se comenta, se dice, se rumorea, que un 80% de nuevo metraje del montante final lleva su firma. Ignoramos si ha sido así o no. Lo que sí podemos apreciar es que hay momentos en donde la edición y el tempo narrativo están penosamente hilvanados, como la partida de cartas en donde Solo le gana el Halcón Milenario a Landonis Calrissian (sí... ¡Landonis!), la pobre introducción de nuestro héroe al comienzo del film, la anémica (aunque con un toque final cómico) carrera de Kessel o la ausencia de metraje en la persecución final al villano (¿cómo ha llegado hasta allí Solo?). Situaciones (afortunadamente, las menos), que se nos antojan como remiendos, pero que si somos honestos no devalúan en exceso el producto final, ya que la película es un logrado entretenimiento de aventuras con secuencias de acción bien medidas (el asalto al convoy es un buen ejemplo) y en todo momento están "pasando cosas" que evitan que miremos el reloj.

          Pero ya que estamos en plan supertacañones, tenemos que señalar como ya ocurriera en los minutos iniciales de Rogue One (2016), la falta de buen criterio a la hora de iluminar los tiros de cámara. Vale que queramos contar un principio oscuro e intrigante, pero no te sirvas de una ausencia de luz, no lo cubras de una neblina blanquecina. Impropio además del talento de Bradford Young, al que recordamos por su excelso trabajo en el Arrival (2016) de Denis Villeneuve. Pasa sobre todo al principio, pero lo rodado en los Dolomitas también tiene algún reparo. No puedo aceptar que "canten" los fondos detrás de Beckett, aunque sólo sea en una ocasión. Imperdonable tratándose de un trabajo de ILM. Pero ¡cuidado!, a fuerza de ser honestos tenemos que repartir las culpas. Sí es evidente que la luz de Young es exígua -en demasía, lo que anemiza los sets y la profundidad de campo- pero también es relevante el hecho que en la inmensa mayoría de salas cinematográficas no se proyecta correctamente la película. Lejos queda ya la figura del proyeccionista profesional, orfebre meticuloso a la hora de ajustar los parámetros, lámparas, etcétera... tal y como nos revela Chapin Cutler, cofundador de Boston Light & Sound, uno de los más notorios consultores en el campo de la proyección dentro de la Industria cinematográfica estadounidense. Pero esto es, a grandes rasgos, la parte que discuto, por que todo lo demás me ha gustado bastante, tirando a mucho. Lo que me lleva a certificar que las precuelas que abordan el canon oficial de la trilogía original son como terreno sacrosanto que nadie osa profanar; ni siquiera las pérfidas mentes que perpetran las nuevas líneas argumentales en la nueva trilogía que la Disney está por idiotizar.

          Firmo, por tanto, esta política de respetar al fandom más veterano y no salirse del trazo marcado por George Lucas en los diversos spin-off que de seguro nos llegarán puntualmente año tras año. De hecho, ya es oficial que James Mangold -autor del guión más contundente jamas hecho para una película de superhéroes como es la cruda Logan (2017)- ya capitaliza la futura vida y milagros del cazarrecompensas Boba Fett. La película sobre el maestro Kenobi tendrá, por tanto, que esperar y me parece bien por que veo una clara dirección empresarial similar a lo que Marvel hace con sus filmes. Si la taquilla responde, Alden Ehrenreich tiene firmado un contrato para dos películas más interpretando a Solo y todo apunta a que próximamente veremos a los personajes más emblemáticos de la Saga, saltando de película en película y formando un totum revolutum que sólo de pensarlo ya ilusiona al fan más incondicional.

          Pero para ello, tiene que haber una buena historia para contar. Es lo que ocurre en Solo: A Star Wars Story. El principal culpable de esto es Lawrence Kasdan, otrora supuesta gran esperanza de renovación temática del Hollywood de los ochenta y noventa, llamado a recoger el testigo de notario testimonial de las vidas de la gente común y sus pecados que portara en los setenta el atormentado espíritu de Paul Schrader. Kasdan, autor del libreto del Episode V, que muchos consideran la mejor película de toda la Saga, lejos está ya del nivel que mostrara en su juventud con el homenaje "noir" en la recordada Body Heat (1981), en la inquietante The Accidental Tourist (1988) o en la lumínica y "altmaniana" Grand Canyon (1991), por citar sólo algunas de sus mejores películas. No perdonamos la astracanada que asume en el Episode VII aunque me temo que el mayor responsable de tal despropósito son los bemoles de J.J. Abrams, pero damos por muy bueno los continuos guiños que realiza, junto a su hijo, a la trilogía primigenia. Precioso el diálogo entre Qi´ra y Solo, una vuelta de tuerca al célebre que mantienen Leia y Han en el Halcón Milenario del Episode V (de bondades y canallescas), hilarante cómo descubrimos por qué el contrabandista entiende a Chewbacca y aplaudimos cómo cuentan ese primer encuentro entre ellos. Nos gusta la química entre Lando Y Han y no vemos esa ponderación interpretativa a favor del actor Donald Glover. Al contrario. De lo más destacado son las excelentes interpretaciones de todo el elenco artístico.

          De los nuevos personajes, la Qi´ra que interpreta Emilia Clarke es un hallazgo que incluimos en nuestro catálogo de mujeres con arrestos suficientes para liderar lo que ellas quieran, como Jyn Erso, Leia Organa o Padme Amidala. Personajes con un mundo interior y lo suficientemente trabajados, para ver en ellos motivaciones que justifican sus derivas emocionales, con sus errores y aciertos como la Val que interpreta breve pero intensamente Thandie Newton, el Dryden Vos de Paul Bettany (por fin un malvado aceptablemente interpretado y es que tanto el Orson Krennic de Ben Medelshon como el Kylo Ren de Adam Driver te incitan a la drogadicción más dura). Mención aparte merece Woody Harrelson, bufón mayor al que los años le sientan cada vez mejor en sus roles más recientes. Sobresaliente como tutor del joven e inexperto aspirante a estraperlista. Entendemos su nula empatía para las causas nobles, en otro recuerdo al Han que coge el dinero y se marcha antes de la llegada del Imperio en el Episode IV. Y habemus nuevo mecano -L3-37-, repitiendo la afortunada fórmula cómica que el gran Alan Tudyk acierta a trasladar a su K-2SO, aunque aquí la actriz Phoebe Waller-Bridge tira más para un MeToo en nombre de todas las I.A. esclavizadas, en un evidente reconocimiento a la realidad actual de la industria audiovisual estadounidense.

          Y nos queda el bueno de Alden Ehrenreich, que desde el primer día que se supo que iba a interpretar al icono pop que sólo hasta entonces personificara Harrison Ford, le han caído palos a diestro y siniestro. El actor, que no desmerece en las intrepretaciones que lleva hechas en su corta carrera firma un más que aceptable trabajo. No entiendo la injusta comparativa. Son dos actores interpretando al mismo personaje, sí pero en distintas épocas. El Solo de Alden, aún no es ese socarrón engreído con toques macarras que borda Ford. Aún es "ese chico bueno" que intenta aprender el oficio de truhán, con alguna colleja de propina. Un lazarillo de Tormes que apunta maneras y que estamos deseando verlo crecer en dos filmes más, por Tutatis; por que la película una vez vista, da para más cuentos, incluyendo la sorpresa final que es todo un acierto y que no esperábamos ver. Se nos hace imprescindible continuar con las vidas de los personajes, siempre eso sí, que mantengan el nivel por ahora notable que hemos disfrutado en Rogue One y Solo.

          No quiero finalizar, sin alabar el magnífico diseño en la producción de Neil Lamont, que va cercano al conseguido en Rogue One y en especial a la dirección de arte que lideran Gary Tomkins y Peter Dorne. Brillantísima la recreación de los astilleros de Corellia, con esas tomas de los destructores imperiales a medio construir, el riel por el que el tren recorre los Dolomitas, las inhóspitas dunas de Fuerteventura respetadas con esmero. Y quiero dedicar merecidos laureles al diseño de vestuario (me gustan los mudtroopers y la estética "mad maxiana" de las huestes de Enfys Nest, con sus sorprendentes argumentos y que justifico y ovaciono como colofón que entronca a futuras escorias rebeldes) y a la banda sonora de John Powell, que cuela en la partitura esencias propias de nuestro admirado John Williams, pero que también confiere maestría propia en una composición muy ochentera.

          Me lo he pasado en grande disfrutando casi tanto como cuando vi hace dos años el brillante trabajo de Gareth Edwards y espero que esto sólo sea el principio de una catarata de precuelas dignas del universo surgido de la genial mente de George Lucas. Quiero más, por que sin duda, ¡tengo un buen presentimiento sobre esto!.

          Y por cierto; por si quedaba alguna duda... Han, disparó primero.

          • Solo: A Star Wars Story
          • Ron Howard
          • Alden Ehrenreich
          • Emilia Clarke
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            javieraldariz@hotmail.com (El Guerrero Mandingo) Críticas Sat, 26 May 2018 13:12:18 +0200
            Corre Lola corre, o de la incertidumbre http://www.wordpress.scifiworld.es/cine/corre-lola-corre-o-de-la-incertidumbre.html http://www.wordpress.scifiworld.es/cine/corre-lola-corre-o-de-la-incertidumbre.html Corre Lola corre, o de la incertidumbre

            Una mirada lo cambia todo

            Una mirada lo cambia todo, este podría ser el resumen simplificado del principio de incertidumbre de Heisemberg.

            Lola tiene 20 minutos para conseguir 100000 marcos alemanes para salvar a su novio. Sale corriendo de su casa una y otra vez para conseguirlo, cambiando los sucesos acaecidos cada vez.

            En el año 1927 Werner Heisenberg enunció a la luz de la nueva teoría que cada vez tomaba más protagonismo, la teoría atómica cuántica, el principio de incertidumbre. Esta explica como se comportan los objetos cuánticos como los átomos o los electrones. Los anteriormente e históricamente orbitantes electrones estaban en realidad ubicados en una nube de probabilidad de posición, no siendo un lugar ni otro, dentro de ella, predominante.

             

            La medida

            Nunca es posible saber donde se encuentra un electrón y al mismo tiempo a qué velocidad se mueve. El proceso de medida de alguna de estas dos características implica variar la otra, no siendo culpable el método de medición sino la propia naturaleza de los entes cuánticos. La precisión de esta medida es limitada siendo el límite la constante de Planck (h=6,626 · 10-34 J · s).

            El término izquierdo engloba la posición (Δx) y la velocidad (Δp) que debe ser mayor o igual al límite de medición qué es el término de la derecha la cte Planck.

            El electrón no posee una posición y velocidad determinada lo que mejor se puede hacer es centrar una región en la que posiblemente sea más probable encontrarlo.

             

            Está o no está


            ¿En un bosque solitario hace ruido un árbol al caerse?, antiguo dilema chino que bien podría asemejarse, en este caso como: ¿sino mido la posición del electrón, está realmente ahí?

            Al igual que Lola; su visión, presencia (o no) y decisiones en determinados momentos de la historia modifica la forma en la que se desarrollan, en una suerte de efecto mariposa. Su no conformidad con los sucesos que protagoniza ella produce un reinicio que acarrea pequeños cambios y dando así nuevos resultados. Obteniéndose la respuesta a la pregunta inicial; sí, la mirada de la realidad la modifica.

            • Ciencia vs Ficción
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              cardescu@gmail.com (Cristian Cárdenas) Cine Thu, 17 May 2018 12:48:18 +0200
              UNA ODISEA FASCINANTE. EPISODIO QUINTO. http://www.wordpress.scifiworld.es/home/una-odisea-fascinante-episodio-quinto.html http://www.wordpress.scifiworld.es/home/una-odisea-fascinante-episodio-quinto.html UNA ODISEA FASCINANTE. EPISODIO QUINTO.

              El Ogro del trazo.

              Un lápiz es la herramienta más simple que hay. Es un palito con una mina que marca pero es también la posición de una línea que va directa desde tu brazo a tu corazón. Cuando dibujas coges algo que se encuentra oculto a otros y se lo revelas dibujándolo. Es como un sismógrafo de tu alma. Secuestras emociones y las pones al descubierto para que otros las vean.

                                                                                                                                      Glen Keane.

              Puntualicemos, un ogro además de ser un gigante que se alimenta de carne humana, es un ser fabuloso. Un ser perteneciente al reino de la maravilla. Pues bien Borja Montoro, diseñador de personajes en Ilion y director del “Experto en diseño de personajes” en la U-Tad, lo es. Habita el olimpo animado habiendo trabajado con toda una leyenda, Glen Keane en Tarzán (Chris Buck y Kevin Lima, 1999) o dibujando para Disney personajes de Vaina (Ron Clements y John Musker, 2106) y de Zootropolis (Byron Howard y Rich Moore, 2106). Cuando me lo presentaron en el evento Keyframe 2017 en Madrid durante escasos segundos, mi primera impresión fue la de estar ante uno de los grandes del dibujo. Una persona sujeta a un lápiz como un Don Bluth, pero también un artista que no se corta, insultantemente atrevido en sus cortantes y escuetas respuestas y espléndidas observaciones que en algunos momentos me desarmó como se lo dejé dicho. Su físico y voz cavernosa ayudan. Esta especie de Baloo civilizado liberalmente hablando, guarda entre sus vivencias la llama de una cierta animación que deja a un lado el espejo de tocador del animador para adentrarse en el interior de la cabeza de un artista y observar el mundo que lo rodeada sin intermediarios. Borja no se anda por las ramas. Es una persona radical en el sentido literal, te lleva de la mano a la raíz del problema negociándolo. Es un ser disonante que, lógicamente no se encuentra en un estado caníbal, pero que si le placen los plátanos. ¿Os acordáis de los detalles? Hubo un momento, in media res de una de las explicaciones de Cristina guiándome por Ilion, en el que apareció pasando de largo, cogiendo un plátano de uno de los cuencos que había y abriéndolo con suma destreza, devorándolo. El momento me pasó a cámara lenta, produciéndose en mí un proceso de simpatía por una persona a la que iba a conocer. Un trazo claro es alimentado por una fuerte personalidad, alguien  que tiene clara su profesión, sus fracasos y sus victorias. Una de sus máximas en la enseñanza es el estar abierto a cualquiera; para él un día feliz es aquel que aprende algo nuevo y de docente lo ha descubierto cada día. Ese fue su enfoque creativo, basado en la estructura aristotélica de tres actos, en su labor como viñetista, magistralmente concisa de hace unos años: “Un primer acto sería el dibujo, la composición, lo que se ve a golpe de vista, el segundo sería el texto y el tercer acto se reproduce en la cabeza del receptor de la viñeta. Ese sería el desenlace perfecto.” Por tanto, estamos también ante un analista de su propio trabajo. Seguimos con Don Bluth: “Cuando dibujas algo, representas un sentimiento en la vida, así que los llamas símbolos.” Y para poder descifrarlos tiene que haber un código, un canal que te permita comprenderlos y asimilarlos. Borja Montoro tiene esa clave y la dibuja todos los días en su trabajo en Ilion y en sus clases en la U-Tad.

                                         Borja Montoro. Dibujante 1

               

               

                                                                                                                       CONTINUARÁ...

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              Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Animación Thu, 17 May 2018 10:15:09 +0200
              El largometraje “BEDTIME” de Roberto San Sebastián, seleccionado en Mercado de Coproducción FRONTIÈRES http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/el-largometraje-bedtime-de-roberto-san-sebastian-seleccionado-en-mercado-de-coproduccion-frontieres.html http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/el-largometraje-bedtime-de-roberto-san-sebastian-seleccionado-en-mercado-de-coproduccion-frontieres.html El largometraje “BEDTIME” de Roberto San Sebastián, seleccionado en Mercado de Coproducción FRONTIÈRES

              La productora bilbaína PLATANOBOLÍGRAFO desarrolla actualmente el segundo largometraje del realizador de La Noche del Virgen

              El mercado de coproducción FRONTIÈRES ha seleccionado la producción vasca BEDTIME, segundo largometraje del realizador bilbaíno Roberto San Sebastián, entre los 10 proyectos que podrán participar en su 10º edición, que se celebrará en Montreal (Canadá) del 18 al 22 de julio, en el marco del festival FANTASIA

              Organizado junto al Marché du Film del FestivalCannes, Frontiéres es el principal mercado de coproducción internacional dedicado al cine de género en el mundo, ofreciendo cada año a proyectos en desarrollo la oportunidad de presentarse ante los principales productores de Europa y América.

              BEDTIME será la segunda producción vasca que participa en Frontiéres, tras Errementari (presente en la edición de 2015). El proyecto está siendo desarrollado por la productora bilbaína PLATANOBOLÍGRAFO, también responsables de La Noche del Virgen, (ópera prima de Roberto San Sebastián), una desvergonzada comedia de terror definida como “un cruce entre American Pie y el cine Cronemberg”.

              Realizada con un presupuesto inferior a 100.000€, La Noche del Virgen se convirtió en una de las sensaciones del circuito de festivales de género en 2017. Ha sido proyectada en más de 20, nominada al Meliés de Plata a la Mejor Película Fantástica Europea, y ha cosechado 16 premios internacionales, algunos de ellos en festivales de reconocido prestigio (Fantasia en Canadá; Mórbido en México; Night of Horror en Australia).

              Actualmente, ha sido vendida en cerca de una veintena de países, incluyendo España, donde puede disfrutarse en DARKT V desde el pasado mes de abril.

               

              Una mezcla entre “Solo en casa” y “La Semilla del diablo”

              BEDTIME se trata de una alocada propuesta de género definida por sus autores como “un cuento de terror, niñeras, y niños en peligro: una peli familiar que se retuerce hasta convertirse en una espiral de locura”.

              Concebida con el objetivo de homenajear (y corromper) el del cine familiar de los 90, el proyecto comenzó su andadura a finales de 2017, al recibir la Ayuda a Desarrollo de proyecto del Gobierno Vasco. Actualmente, se encuentra en proceso de desarrollo y búsqueda de financiación, con el objetivo de poder afrontar el rodaje en 2019.



              Más información:

              http://frontieresmarket.com/en/nouvelles/frontieres-market-at-fantasia/

              http://screenanarchy.com/2018/05/frontieres-at-fantasia-2018-celebrates-ten-years-with-first-wave-of-projects-announced.html

               

              • Frontiers
              • Bedtime
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                ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Estreno Mon, 14 May 2018 13:51:43 +0200
                Verdad o reto http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/verdad-o-reto.html http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/verdad-o-reto.html Verdad o reto

                ¿Juegas?

                La BlumHouse no para de producir y en su asociación con Universal nos trae un nuevo título a la cartelera patria. La ecuación es la misma, ya saben; un desembolso de dinero ajustado para producción que se traducirá en beneficios importantes, una distribución masiva y un director con talento suelen ser las armas con las que ajustan sus tremendos aportes anuales al género.

                Suele, para variar, haber de todo, desde acertadísimas cintas como Insidious Sinister, fiascos como Ouija o simples pasatiempos como La Horca o Eliminado. Con esta Verdad o reto servidor esperaba esto último, un divertimento sin pretensiones que inauguraba la cartela primavera/verano en nuestras salas. Pues bien, esta vez no pudo ser y BlumHouse abusó de su confianza dando salida a un producto al que aún sin pedirle calidades en exceso termina aburriendo. 

                Cuenta como el típico grupo de universitarios americanos que se van a pegar el spring break de turno termina en una antigua iglesia abandonada jugando al popular juego post-borrachera "Verdad o reto", sobran las explicaciones en cuanto al desarrollo del mismo. Lo que parece un juego de niños termina por convertirse en algo terrorífico.

                Hay que reconocer que la premisa y su halo a Destino Final llama en un principio la atención y como decía más arriba, esperas como mínimo pasar un rato divertido como ya pudimos hacerlo por ejemplo no hace ni un año con Siete Deseos, por poner un ejemplo con paralelismos argumentales. Pero ya desde su inicio atropellado te das cuenta de que algo falla. Las secuencias no se resuelven como es debido y los acontecimientos se precipitan de tal forma que cuando nos vemos inmersos en "la maldición" no podemos evitar el sabor de boca amargo que la película te va dejando. Y para colmo, con el paso de los minutos la trama se va enmarañando, llevándonos de un lado a otro y creando unos conflictos dramáticos entre los protagonistas que parece se han ido sacando de la manga. Y lo que tampoco ayuda para nada es su empeño en no mostrar prácticamente una sola gota de sangre, nada propio ni de la compañía ni de el target del producto.

                Ignoro las presiones y limitaciones que la empresa impone a cada proyecto, pero algo hace suponer que durante la producción de Truth or Dare algo se desvió, ya que su director, el señor Jeff Wadlow, autor de films como Kick-Ass 2 o la videoclubera Cry Wolf, no suele inyectar este estilo en sus obras. Pero ya sabemos, peli por encargo.

                Para destacar lo positivo de la cinta tenemos que irnos hasta su protagonista, la joven Lucy Hale que se esfuerza y hace todo lo que está en su mano y tal vez un poco más por ponerle carga dramática al proyecto. Recalcar además que no están nada mal incluidas las reminiscencias a las nuevas tecnologías, estas que ya inundan innumerables libretos del ya conocido como Terror 2.0. El aspecto de los poseídos por el simpático demonio al que tanto le gusta jugar al dichoso juego y alguno de los retos que ordena el ente, pero como digo no da para salvar una producción decepcionante a grandes rasgos. 

                En resumidas cuentas, un film que al igual que el juego que atormenta a los protagonistas debería de haber dado algo más de sí. Mira que al terror juvenil no se le pide mucho, pero si algo más de lo que Blum y los suyos nos ofrecieron en esta ocasión. Eso sí, el giro final que deja la trama abierta un acierto, esperemos que si llega una secuela lo haga de la misma forma que lo hizo la de Ouija, con una película superior que haga olvidar la primera entrega.

                • Truth or Dare
                • Verdad o Reto
                • Blumhouse
                • Lucy Hale
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                  ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 11 May 2018 17:26:20 +0200
                  Vengadores: Infinity War http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/vengadores-infitnity-war.html http://www.wordpress.scifiworld.es/reviews/vengadores-infitnity-war.html Vengadores: Infinity War

                  La Guerra del Infinito.

                  Antes de nada y para el que no lo sepa; no soy fan de Vengadores. Bueno, no al menos de Vengadores en la gran pantalla, ya que en el formato cómic sí que me dieron buenos momentos en mi adolescencia (hace dos o tres años). Los dos primeros films me parecieron vacuos y muy en especial La Era de Ultrón, que era el perfecto ejemplo de cómo desaprovechar a un gran villano en un film coral de superhéroes. Civil War, aunque no se engloba en Vengadores sino en la línea argumental de Capitán América, no deja de ser otra aventura colectiva de nuestros protagonistas, donde un conflicto entre Stark y Rogers acababa en jaleo interno y como cuenta el revelador título en una guerra que desharía a los Vengadores momentáneamente. Bastante más efectiva y animada sí, pero Civil War siguió sin darme lo necesario para saciar mi sed de acción superheroíca a la épica. Pero amigos, cuando menos esperas más recibes ¿sí? Y a estas alturas yo ya no esperaba mucho del grupo Avenger, en general no suelo elevar mucho el hype en Marvel cuando se tratan de superhéroes archiconocidos para el gran público masivo dado que las que mayores alegrías que me han dado en este universo han sido tipos como Los guardianes de la Galaxia o Ant-Man.

                  Pues bien, como decía cuando más o menos pierdes toda esperanza e incluso los directores de proyectos anteriores repiten tras la cámara y esperas más de lo mismo o menos, salta la sorpresa e Infinity War se alza ya no como una de las mejores películas del universo marvelita, eso por descontado, sino como una de las mejores adaptaciones de superhéroes vistas hasta la fecha (tras El Protegido y Howard El Pato, por supuesto).

                  Aunque es evidente que la premisa inicial es más de lo mismo. Una todopoderosa criatura, en este caso Thanos, interpretado brillantemente por el ex-goonie Josh Brolin, quiere hacerse con una serie de gemas que le permitirán tener todo el poder del universo, dominarlo e incluso destruirlo a su antojo. Oportunidad de oro para que los enfadados Vengadores vuelvan a unir fuerzas, esta vez sin ayudas externas del gobierno (únicamente del de Wakanda), para detener al malísimo Thanos y salvar el universo... otra vez. 

                  Y os preguntaréis ¿por qué es tan diferente IW a las demás si trata lo mismo? Pues resumiendo se podrían considerar tres factores que unidos responden a la pregunta, veámoslos. El primero bien podría ser el dinamismo, como digo la historia no es novedosa pero los personajes sí que actúan como si esta vez algo realmente fuera a salirse de madre. Huye de la precipitación vista en films anteriores (aunque el inicio sí que es algo atropellado) y se toma más tiempo para abordar y crear situaciones que lo requieren, tirando de épica cuando es necesario y desarrollando una narración adecuada a la cantidad de personajes que convergen en la historia y a la importancia de estos. 

                  El segundo sería la positiva capacidad de interacción entre secuencias que engloban el universo de esta ocasión, es decir el conflicto terrestre y el espacial, llevándonos de uno a otro cuando el ritmo de la trama lo requiere y no cayendo nunca en resoluciones de secuencias previsibles y rápidas, una de las causas que más lastraba las cintas pasadas. Además, encuentra también equilibro entre el drama y los gags humorísticos provocando igualdad y armonía entre los elementos Marvel más usados. Ni es tan formal como Soldado de Invierno ni tan cómica como Ragnarok.

                  Y tercero y más revolucionario, la capacidad rompedora tanto del guion como de estética general. Parecía que nunca iba a ocurrir, pero al fin Marvel se atrevió a quebrar el esquema mil veces ya visto. Esto incumbe, evidentemente a un final apoteósico, dejando de lado que sea lo que espectador quiera o no quiera ver, consigue mediante la tragedia un pulso regular que todos, tanto fans como no, deberían saber apreciar. 

                  En resumidas cuentas, por todo lo demás y para no parecer pedante IW es espectáculo puro y duro, bien llevado, con acción a raudales y que al salirse del guion establecido no dejará indiferente a nadie. Puede que te guste o no lo que ves, pero como está llevado a cabo no tiene discusión. A mí, en particular, tanto final como el conjunto me parecieron lo mismo, de lo mejor visto en Marvel en una década. 

                  Pd: Mucha atención a las motivaciones del villano Thanos y su forma de llevar a cabo su plan. No está a la vista, pero siempre fue actualidad en forma de control mundial de la población.

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                  • Infinity War
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                    ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Mon, 07 May 2018 12:15:29 +0200