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Oscar 2020

el  Sábado, 08 February 2020 13:02 Escrito por 

La quiniela imposible.

Vistas con ojo crítico (es un decir) las nueve producciones nominadas al Oscar como Mejor Película para este 2020 y a modo de divertimento nimio adelantamos para este fin de semana nuestras preferencias -que no predicciones- y para el día de hoy comentamos brevemente por orden creciente el entusiasmo que nos han causado, aunque partiendo de la base que casi todas ellas ofrecen, como mínimo, un digno entretenimiento.
 
Marriage Story se lleva la nota más baja de las candidatas por ofrecer una fallida tragicomedia de tintes "woodyallenescos" de la que hacemos máximo responsable al cineasta neoyorquino Noah Baumbach, que sí que eleva sus calidades artísticas con respecto a su curiosa (aunque mustia) The Squid and The Whale (2005) o su vacuo enredo familiar en The Meyerowitz Stories (2017).
 
Aquí intenta universalizar sus experiencias de clase media-alta bajando al mundanal ruido del Off-Broadway con un cuento de un amor que se marchita en una pareja (con hijo un pelín irreal -no juega con consolas, no se brutaliza con webs de contenidos exclusivos para adultos... ) que hacen más caso a sus egoísmos y a sus abogados que a lo que dictan sus corazones.
 
Poco creíble esta narración con falso espíritu indie, tanto la selección de actores, como la dirección de los mismos (el gran Alan Alda no se merecía tal desprotección -los que hayan visto la película sabrán por dónde van los tiros- ; Liotta va pasadísimo y la Dern está "divina de la muerte" para un personaje increíble) y del resto, los niños mirando a cámara mientras hablan con los progenitores, Driver buscando el casco de Vader y Johansson, en fin... ni siquiera Johansson vale la entrada. Sorprende eso sí, la B.S.O. tan delicada de Randy Newman dotada de un agradable clasicismo, alejada de las aceleraciones asincopadas entre las secciones de vientos y cuerdas tan típicas del músico.
 
En 1945, David Lean regaló al mundo Brief Encounter; hasta la fecha el largometraje que más nos emocionó a la hora de contar los sinsabores del amor y el paso del tiempo y que establecemos como baremo de excelencia a la hora de valorar este género tan manoseado y tan poco respetado.
 
Hay otras muchas mejores opciones de demostrarle a tu pareja o a tus poliamores (de igual o diferente sexo o incluso de diferente especie vegetal) que tienes una vena romántica superior a este almibarado y ñoño cuento.
 
El segundo film a tratar es la enésima revisión del clásico de la Literatura Little Women de May Alcott que supone un triunfo menor en la filmografía de Greta Gerwig, conocida por su buena Ladybird (2017) y que se ha consolidado como una de las principales figuras del necesario empoderamiento que llevamos aplaudiendo desde este y otros foros. Lo bueno de la adaptación de Gerwig es la combinación inteligente entre el clasicismo en el diseño de la producción (incomprensible que no esté nominada en este apartado) y la técnica narrativa tan actual (en el mejor término posible, por apartar cánones ya muy anquilosados).
 
Saoirse Ronan vuelve a conseguir una interpretación de mucho mérito. Si el buen criterio a la hora de elegir sus papeles sigue así, tenemos a una actriz de la impronta de una Meryl Streep o Cate Blanchett.
 
El Oscar a Mejor Vestuario para Jacqueline Durran y el de Mejor Banda Sonora para Alexandre Desplat deberían ser incontestables, en especial el primero. Desplat, de entre todos sus colegas de esta relevancia, es el que mejor luce para este tipo de proyectos pero la épica de Newman -Thomas- creo que vencerá o al menos eso esperamos, a la estridencia excesiva de Hildur Guðnadóttir y su partitura para el Joker de Todd Phillips.
 
El Ford V Ferrari de James Mangold supera la criba de recelo a la cual nos enfrentamos previo pase a la sala de proyección. Película muy bien estructurada, ágil de ritmo y muy, pero que muy del gusto de la Academia.
 
Otra descripción de hechos históricos narrados desde la perspectiva del ganador (casi siempre los valientes cowboys que vinieron del otro lado del charco a hacer aquello que previamente les dijeron que "eso es imposible") y que satirizan a la otra parte que no quedará muy contenta por lo visto en el film.
 
Al margen de licencias que se permiten de mayor o menor verosimilitud, el guionista y director de la cruda Logan (2017) domina el oficio y brinda un resultado que optará firmemente al Oscar al Mejor Montaje (debería ganarlo la excepcional Thelma Schoonmaker por The Irishman, pero... ) y al Mejor Sonido y a la Mejor Edición de Sonido para Don Sylvester y su equipo; aunque 1917 cuenta con nuestro voto para lo referente a las sonoridades de este año.
 
De las este trío, ninguna tiene a su [email protected] [email protected], así que no apostaremos ningún maravedí a que ganen el de Mejor Película, aunque una cosa son nuestras querencias y otra lo que vaya a ocurrir.
 
Las tres siguientes -seguimos aumentando nuestra simpatía- son la surcoreana Parasite, la antibelicista 1917 y la viral Joker.
 
De la producción asiática, premiada en Cannes con la Palma de Oro, destacamos el pulso creciente en su narrativa y la mala uva reivindicativa de clase que Bong Joon-ho (su director y coguionista) suele ofrecer camuflada en el argumento principal de sus películas.
 
No es Joon-ho el mayor talento surgido al amparo de las políticas culturales de Corea del Sur, que motivaron hace ya un cuarto de siglo la creación del llamado "Nuevo Cine Surcoreano" y que tiene en los geniales Park Chan-wook y Kim Ki-duk sus máximos exponentes, pero sí que puede ser uno de los alumnos más aventajados de estos dos precursores.
 
Ideada originalmente en blanco y negro, los colores elegidos en su primera hora son de un confort propio de comedia francesa así como sus medios planos llevados con una cierta armonía (marca propia de esas anodinas producciones del país vecino) que derivan en un valle, por fortuna salvado en sus excelentes veinticinco minutos terminales.
 
Su epílogo, con moralina irremediable, da una nota superior a lo que realmente merece pero Joon-ho no deja indiferente nunca en sus propuestas, ya sea cazando un monstruo mutante surgido de vertidos contaminantes, un enorme cerdo transgénico de cuestionable valor nutritivo, la deriva sociópata de toda una Sociedad encadenada a la tradición o la frenética huida hacia ningún lado de un ferrocarril cargado de nitroglicerina humana.
 
Una buena película por su trasfondo a pesar de su desesperanza final, o quizás, gracias a ella.
 
Y en quinto lugar, situamos el viaje mortificante de dos soldados británicos en tierra de nadie con una misión tantas veces vista en el Bélico y que se publicita de manera muy acertada como las experiencias vitales del abuelo de Sam Mendes, cineasta que el run-run del Gran Hollywood señala como el gran triunfador en la gala que se celebrará a partir de las 02:00h de la madrugada de este lunes 10 de febrero (horario Madrid CET).
 
Con una cuidada filmografía, es Mendes un cineasta de mérito al que por lo general la Industria suele recompensar de manera generosa, superior, sin duda, a la media de producciones que ofrecen sus colegas contemporáneos y con un respeto en la profesión por intentar hacer siempre su proyecto, apuesta que por lo general no suelen conceder las Majors de manera altruista.
 
Pero si visionamos con atención 1917, el film es sobre todo una apología visual en la que Roger Deakins (uno de los mejores directores de fotografía que ha dado el Cine en los últimos cuarenta años) debería ganar su segundo Oscar como dop (incluso él es el propio operador de cámara).
 
A pesar de su sencillez argumental y que ni por asomo es la mejor película de las nominadas, apunta a la consecución de los premios más importantes para desgracia de Scorsese o Tarantino.
 
En 1930, Lewis Milestone firmó la que a nuestro modesto entender, es la mejor película antibelicista de la Historia del Cine. La memorable All Quiet on the Western Front. Noventa años han pasado y nadie ha logrado superar esa cima tremenda e inolvidable.
 
Y como cierre de este segundo tercio, la medalla de chocolate va para ese Joker resultante de la solución salina agitada, que no revuelta, entre -principalmente- el Taxi Driver (1976) de Scorsese y Schrader y el Network (1976) de Lumet con gotas adicionales de otras producciones de los 70 pero que la pericia insospechada de Phillips, da como resultado una notable producción (debería ganar el Oscar en este apartado) en una vuelta de tuerca que los devotos al Fantástico y las nuevas RR. SS. aplaudieron como si no hubiera un mañana, envalentonados por el desmesurado reconocimiento que obtuvo el largometraje (demasiado "largo", por momentos) en el pasado Festival de Venecia.
 
Phoenix ganará el Oscar al Mejor Actor por su esfuerzo físico -y no tanto por el interpretativo- y hará pareja de premiados junto a Renée Zellweger por su discreto trabajo en la muy mejorable Judy. Dos ejemplos maquiavélicos de lo poco que al Gran Hollywood le importa en realidad las interpretaciones de roles principales en los últimos lustros. Últimamente es en los secundarios en donde encontramos las mejores caracterizaciones. Ya no está el sátrapa Weinstein para "influir" en los votantes de la Academia, pero los premios del "star system" cada vez más se conceden por presiones mediáticas de nuevo cuño, que por otras cuestiones.
 
Joker ganará algunos premios importantes, pero los grandes preseas -como decíamos con anterioridad- sospechamos que irán para Mendes, aunque nuestros principales votos van para dos de las tres películas que dejamos para esta parte final.
 
Para el peldaño más cercano al suelo de este podio tan particular colocamos una producción que se convertirá (si ya no lo es) en la "sleeper" del año. Hablamos de la notabilísima Jojo Rabbit del neozelandés Taika Waititi, autor de la comedia negra What We Do in the Shadows (2014), feliz broma elevada a los altares entre los seguidores del Fantástico y que dejaba entrever un talento latente que para este cuento florece en su máximo esplendor.
 
La visión naif de Jojo -un trasunto del Oskar que interpretara el infante David Bennent en la contundente Die Blechtrommel (1979) de Volker Schlöndorff- colisiona con violencia ante la dura realidad que el entorno que le rodea a él y a su hipster madre (aquí sí una sólida Johansson) tienen como delirante cotidianidad.
 
"Hagamos una comedia sobre nazis" fue la propuesta de Waititi, cinéfalo de base sólida, una vez que encontró hueco entre sus múltiples proyectos. No es el primero, ni tampoco el cineasta que mejor ha traducido la barbarie producida por los demonios que viven entre nosotros ("¿cómo lo haría Lubitsch?" que diría Wilder), pero el film posee secuencias de un logro narrativo que quedarán grabadas en las memorias de aquellos que la quieran disfrutar en pantalla grande (Jojo y ese reconocimiento de los zapatos maternos... ).
 
Reparto medido y bien escogido, ajustadas las calidades a presupuesto, técnicas "sencillas" de realización. Un todo completo de enorme satisfacción con sus homenajes a Ana Frank (evidente, sí, pero tremendamente hermoso) y a todos aquellos que "hicieron lo que pudieron" aún a riesgo de pagar con sus propias vidas. Muy recomendable.
 
Y aunque tiene un enorme mérito que una producción de presupuesto tan ligero como la de Waititi se cuele entre las finalistas, la embestida de esos dos arietes que rivalizarían con Grond, capitaneados por dos de los cineastas estadounidenses en activo que más nos apasionan, como son Tarantino y Scorsese, no puede ser obviada.
 
Complicado elegir entre las dos restantes aunque tampoco albergamos dudas insalvables. The Irishman es una película excepcionalmente dirigida y editada (tres horas y media que pasan sin darnos cuenta) que merece el máximo puesto. Quizás -y aquí albergamos un rascar el mentón- como historia que más nos ha gustado estarían en un empate técnico pero el trabajo de Scorsese y de Thelma Schoonmaker es tan abrumador que la damos por vencedora.
 
Ya hemos hablado en este foro sobre la producción de Tarantino así que os ahorramos el suplicio de volver sobre nuestros pasos y con respecto al film de Scorsese, merece una reflexión más profunda que no tiene cabida en este mero artículo de sábado solaz y de recreo nihilista.
 
Por desgracia, sospechamos que no llevarán los premios que se merecen y tendrán que conformarse, en el caso de Tarantino, con los Oscar al Mejor Secundario para Pitt y como Mejor Guión Original para Tarantino (sería su tercer premio como plumilla); a pesar que Once Upon a Time... in Hollywood es un cuento que ensalza esa nostalgia hippie del Los Ángeles cinematográfico de los 60 y esas revisiones amables de la industria cinematográfica al Gran Hollywwod le pone tanto como a Obelix un banquete con jabalíes.
 
Y, ¿Scorsese?. Pues probablemente pagará su osadía por atreverse a filmar fuera de las Majors y por decir todo aquello que le salga del níspero. Cuestiones también abordadas en su momento pero que no nos cansamos de aplaudir por su clarividencia, alejada de modas o tendencias de único uso y pronto olvido.
 
Y por cierto, Al Pacino, está sencillamente horrible como Hoffa. Pero así lleva los últimos quince años, instalado en ese palco de actores a los que su trabajo les importa un rábano. No todos saben retirarse a tiempo como Joe Pesci, actor que llevaba desde 2010 rascando las cuerdas de su guitarra y que sólo la insistencia del propio De Niro (le dio la murga durante cinco años) convenció para interpretar con una inesperada solvencia al mafioso Bufalino.
 
Y con esto, finalizamos nuestra particular porra de los Oscar de 2020, no sin antes brindar por la enésima nominación al compositor John Williams que, si nadie lo remedia, cuelga la batuta y con júbilo merecido se instalará a perpetuidad en el Olimpo fílmico junto a los más grandes maestros -de cualquier especialidad- que haya dado la Historia del Séptimo Arte.
El Guerrero Mandingo

Genuflexor Imperial en La Estrella de la Muerte y fagocitador audiovisual inmisericorde.

Y además...

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