TV - Scifiworld http://www.scifiworld.es Sun, 26 May 2019 11:53:23 +0200 Joomla! - Open Source Content Management es-es A propósito de N. Episodio segundo http://www.scifiworld.es/cine/a-proposito-de-n-episodio-segundo.html http://www.scifiworld.es/cine/a-proposito-de-n-episodio-segundo.html A propósito de N. Episodio segundo

"Se terminó la noción romántica de ver las películas solamente en la pantalla grande."

                                                                                                                       Ted Sarandos.

El encargado del departamento de contenidos en Netflix recuerda su primer acercamiento a la empresa, como un viaje a Marte. Lo que más le llamó la atención fue un cierto caos representado por infinidad de cajas distribuidas desordenadamente por todos lados. Lo que estaba viendo, y en ese momento no era consciente, era el objeto que hacía posible el envío de miles de dvds a millares de casas en Estados Unidos. Gracias a esas cajas, estaban manteniendo el negocio, uno que cambiaría drásticamente con la irrupción de Internet. Con el paso del tiempo el empresario cambió de actitud y empezó a apostar por la compañía. Se produjo un interesante proceso mental, pasó de la duda sobre su futuro laboral a creer en el proyecto de Reed Hastings, convirtiendo su decisión en acto de fe. Hoy en día ya sabemos qué es el streaming y cómo utilizarlo, pero en los días pioneros de la técnica digital debió ser complicado comprender el presente con vistas a un futuro incierto. El concepto de apuesta es vital ya no sólo en el mundo empresarial, sino en todo aquello que nos preocupa. El desafío a lo desconocido indica el camino, pero es uno peligroso. Lo mismo tendría que haber pensado Alfonso Cuarón cuando se alió con Netflix para sacar adelante su nuevo proyecto, Roma (2018). Algo tuvieron que ver para producir el film al creador mejicano. Es cierto que Cuarón no es el mismo que hace unos años, cuando empezaba a ser reconocido por películas como Y tu mamá también (2011) por ejemplo, pero qué duda cabe que su proyecto más reciente es uno personal, honesto y valiente. Un regreso, desde el altar industrial, a un cine más intimista, más pequeño, aunque como veremos, seguirá intentando romper con lo establecido o, por lo menos, con esa sensación rancia de acotar los géneros y las formas visuales. Roma podría calificarse de film contradictorio en un sentido técnico. Rodada en digital de 65 mm en blanco y negro, la sensación que uno tiene es que está contemplando, efectivamente, una película en blanco y negro pero una contemporánea. Al director no le interesa un blanco y negro referencial, más bien está abrazando un cromatismo moderno, alejándonos de una posible elegía de un tiempo perdido. También rompe con la concepción de la puesta en escena intimista, aunque existen momentos para la intimidad por supuesto, y también transforma el proceso identificativo entre el espectador y el personaje. En definitiva pequeños destellos de observación, o mejor dicho, recuerdos de un mundo.

                      

                      Roma poster

 

Roma. Asalto a la inocencia.

 

Ese México nos parecía detestable, queríamos mostrar el otro México. El que conocemos, donde está la ignorancia, la deodez, la falta de educación, la miseria, […]. Mucho más que la intención de hacer películas, queríamos hablar de otra cosa y eso nos exigía implicarnos en temas políticos.

                                                                                          Felipe Cazals en Canoa (1975).

 

Roma nos cuenta los recuerdos de Alfonso Cuarón (su infancia en los años setenta del siglo pasado) y Canoa, describe un suceso del pretérito perteneciente a los sesenta (el linchamiento de cinco empleados universitarios y un campesino que los hospedó, en San Miguel Canoa). ¿Por qué elegir Canoa y no otra película mejicana, o mejor dicho, por qué no elegir a otro director azteca? No sólo Cuarón pero también podríamos citar a Iñárritu o Del Toro, cineastas de rabiosa actualidad, que consideran a Cazals como uno de sus maestros y sus films, piedras angulares de la filmografía universal. Cuando el prestigioso sello Criterion decidió sacar una nueva copia de Canoa, no lo dudaron ni por un segundo, tanto Guillermo como Alfonso aparecieron en los extras del DVD/Bluray, haciendo el primero una presentación de la película y el segundo una masterclass con el maestro. Los relatos de Roma y Canoa están relacionados con un año y no es el de la producción de sus respectivos trabajos: 1968. El 14 de Septiembre de ese año se produjo el linchamiento y, solamente 18 días después, el 2 de Octubre, se produjo la masacre de Tlatelolco en la Plaza de las tres culturas de la capital mexicana. Tres años después, sucederá otra masacre, la del Corpus Christi o llamada el Halconazo, en el D.F. de la cual Cuarón tomará buena nota.

 

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La violencia imbrica la estructura de las dos películas pero con diferente ímpetu narrativo. Para una supone su eje vertebrador (Canoa), y por tanto su mostración directa de los hechos, y para la otra (Roma), es una nota a pie de su diégesis, y por tanto tiene más de demostración  elusiva. De hecho existen dos planos que se comunican entre ambas ficciones, uniéndose en ese “metadiscurso” sobre la potestad de la violencia y su control. Coinciden en dos momentos intensos de ambos relatos. En Canoa, un personaje se acerca a cámara portando un hacha, posicionándose en plano detalle al espectador y en Roma, es una pistola ubicada en la misma posición y mostrándose de igual manera al testigo de la narración. Resonancias formales que se nutren de un mismo contenido para posicionar su denuncia sobre un mismo tiempo. Lo expresa mejor Cazals cuando revisitó su film en los institutos, mostrándolo a los jóvenes. Éstos al finalizar las proyecciones se mostraban descreídos, porque no pensaban que este tipo de cosas pasaba en su país y, porque pensaban que era algo impensable que se les hiciese a jóvenes como ellos: “luego entonces la película si educa. El cine es mucho más cabrón de lo que parece y para eso está hecho.” Si nos quedásemos con las palabras del veterano director mexicano, tendríamos al principio la construcción de una denuncia y al final, su análisis. Pues bien, Roma denuncia y analiza pero de una manera marginal. Es por esa razón que sus mecanismos de contestación no sean tan directos  como los de Canoa y prefieren perderse en los detalles (los íntimos y los sociales).

Dado que la película de Cuarón es una rodada cronológicamente, es importante fijarse en su comienzo mismo. La génesis del relato es una apuesta por un discurso lateral de los hechos. Arranca con un primer plano de unas baldosas en el suelo. La imagen por lógica sería la que protagonizará el susodicho plano, que lo es, pero lo prioritario está construido bajo otro punto de vista, el sonoro, por tanto nos encontraremos con un proceso curioso y tremendamente difuso como es el de la auricularización, estableciéndose la ficción bajo los parámetros del fuera de campo cinematográfico. Escuchamos como el agua se vierte sobre la superficie y después oímos una frotación. Emerge el milagro. La superficie de baldosas es una opaca pero con la invasión del agua, se vuelve diáfana y se conforma una especie de marco por donde vemos reflejado un avión que pasa de un lado a otro.

 

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Las sucesivas incorporaciones del líquido y el posterior fregado del suelo con esas burbujitas del jabón Roma, típico de la época, harán desaparecer y regresar la imagen, convirtiendo la puesta en escena en algo que pareciese nacido del azar creativo. Nada más lejos de la realidad. Stéphane Mallarmé (1842-1898) lo explicó muy bien bajo un título de un poemario suyo: “Un golpe de dados jamás abolirá el azar”. La opción escogida por el director para “celebrar la noción de espacio y respetar el tiempo que fluye en su interior” se conseguirá con el movimiento panorámico pivotando sobre el mismo eje de la cámara, en dos movimientos (de derecha a izquierda y viceversa), pareciendo la única solución posible para esperar que ocurra algo y la cámara lo capte. Es decir, para que los personajes dejen de actuar y simplemente existan en ese tiempo concreto, sustraído del recuerdo. Y no convendría olvidarnos de ese avión. Su presencia, ya no sólo al principio, sino durante y en al final de la historia nos conducirá a un interesante símil. Es algo lejano, perdido en las nubes, carente de protagonismo social y político en la historia pero puede ser al mismo tiempo, testigo excepcional de los hechos debido a su distancia. Además formalmente, el movimiento del avión es uno que después imitará el movimiento panorámico de la cámara ya descrito. Después de visionar la película, uno tiene la sensación, escribiendo sobre ella, de que esa aeronave bien podría ser la personificación de la protagonista, Cleo (Yalitza Aparicio), ya que aparece cuando está ella y además, sobre la misma recaerá también ese mismo movimiento oscilatorio con todo lo que la irá sucediendo y con todo lo que será testigo. No existe la duda al respecto, nos encontramos ante la construcción de una mirada, la de Cleo. Es el primer personaje en aparecer despertando, literalmente, a la casa y a sus habitantes, convirtiéndose sencillamente en nuestra guía narrativa.

 

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A través de sus ojos miraremos el mosaico de un país donde la familia será el punto de partida para hablar de la perversa relación entre raza, clase y sexo, enquistados social y políticamente. Cuarón delega sobre ese punto de vista, al que no pertenece pero al que se somete para confeccionar su homenaje a la inocencia, ya no sólo de un personaje sino de sus gentes, realizándolo sutilmente pero al mismo tiempo, disfrazándolo de una verosimilitud maliciosa. Todos los planos generales en exteriores, salvo aquellos acontecidos en el interior de la finca, o más concretamente en sus límites, aportan el contexto político a través de un milimétrico atrezzo en forma de carteles publicitarios por las calles. Los del presidente electo Luis Echeverría son un buen ejemplo. De alguna manera, “lo político”, busca su protagonismo en la narración En la finca de la familia, la relación humana es tan potentemente estratificada, que es impensable la presencia política. Es un lugar que nos remite al anacronismo. Pareciese un señorío feudal, donde los nobles van a cazar y divertirse, y es donde mejor se ejemplifica la relación clasista de sus miembros. Cuando Cleo cambia de ambiente y deja a la familia, baja por una escalera que la conduce a otro espacio, a uno rodeada de los suyos. Por lo tanto, ya no sólo se establecen muros entre los seres humanos sino tan bien se edifican fronteras geográficas, denotando que la distancia escénica es psíquica y física al mismo tiempo, negando cualquier relación paritaria, y haciéndonos recordar al Renoir de La Regla del juego (1939), cuando posiciona a sus personajes en diferentes ambientes bajo un mismo techo. Y si bien es cierto que también esto pasaba en la casa de la colonia Roma, donde las dos trabajadoras domésticas nos regalaban una cariñosa privacidad, a la hora de hacer sus ejercicios gimnásticos o al intercambiar sus chismes, separadas del resto de la vivienda y de sus habitantes, el director  nos deja entrever en esos retazos de cotidianidad la posibilidad de una alianza, la edificación de una esperanza, aunque sea una marginal: la mano del niño más pequeño posándose sobre el hombro de Cleo y ésta agradeciéndole, rozándolo cariñosamente cuando toda la familia está absorta viendo la televisión.

 

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Existe otra diferencia sustancial entre los dos únicos escenarios protagónicos de la historia, donde conviene resaltar el componente de género. En la finca, la presencia del hombre es notoria, o diríamos que la femenina es bastante conformista, mientras que en la casa es casi ausente. Es más, Cuarón nos presenta a su padre, descuartizado hitchcockianamente en planos detalle y primeros planos. La figura del hombre en  la finca es más protagónica, son los garantes de la acción, los que pueden ejercer la violencia y aparecen disparando o intentando aprovecharse de alguna de sus habitantes y también son los primeros en caer en las garras de Baco, mostrándose un irónico cruce entre fortaleza y debilidad. La ridícula aparición de las armas, disparando a la nada (otra vez la figura del off cinematográfico) pudiese presagiar el advenimiento de la violencia, pero ya hemos sido testigos de otro aviso, en forma de terremoto, cuando Cleo está en el Hospital y se produce el temblor. Es un vaticinio narrativo de algo que hará transformar al personaje, se va a convertir en madre, aunque el plano con los cascotes sobre una incubadora de un bebé prematuro no auguran nada bueno al respecto, y también se cierne sobre el panorama político una mutación. Atrás dejaremos los bulliciosos planos generales de la gente disfrutando de la vida en la calle, invadiendo las tiendas, los cines, siendo registrados por travellings horizontales para acabar con otros tipos de planos generales (los de la manifestación por ejemplo), rodados en la distancia, parapetando a sus testigos, y de una cualidad estáticamente terroríficos.

 

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La presencia de Luis Echevarría, antiguo secretario de gobernación y encargado de crear un comité de seguridad en los tristes sucesos de Octubre de 1968, no es anecdótica sino deliberada. El clima de Mayo del 68 salpicó a toda Latinoamérica de forma dispar, dependiendo de cada país y de cada realidad, pero compartiendo una misma característica: el cercenamiento con una contundente violencia descarnada contra una renovación generacional. El grito (Leobardo López Aretche, 1968) es la película seminal en ese sentido, ya no solamente para una cinematografía como la azteca, sino que alimentará a una monumental e imprescindible película como La batalla de chile (Patricio Guzmán, 1975-1979). Y también suena diegéticamente en el entramado de Roma donde explosionará en la secuencia de la Masacre del Corpus Christi. El momento vuelve a ser recogido por una panorámica de derecha a izquierda: unos jóvenes buscan a otro para matarlo. El primer plano de una pistola ya citado nos anuncia una revelación en Cleo, quizá quien esté con los asesinos sea alguien que conoce, en ese justo momento rompe aguas y tiene que marcharse a un hospital con la abuela y el chofer de la familia. La secuencia se alimenta del violento contexto político donde el presidente, repitiendo lo errores del pasado, volverá a crear nuevos batallones para mantener a resguardo “(su)seguridad”, los llamados Halcones. Esto lleva implícito un razonamiento, impertinentemente esclarecedor, de la situación de banalidad y descreimiento de la sociedad mexicana que denunciaba Cazals. Sólo hay que oír a los supervivientes de la masacre de Tlatelolco, repitiendo a día de hoy su asombro, al rememorar los tristes hechos y preguntarse cómo fue posible que su ejército marchase contra ellos. Esa inocencia, esa sensación de protección conformista en las fuerzas militares, me recordó a la misma de los jóvenes estudiantes observando Canoa. Quizás (y esto se puede extender a cualquier parte del mundo) sea un proceso inconsciente generado desde la falta de perspectiva educacional y promovido por una salvaje corrupción que ahoga a una mayoría conformista en una situación de miseria eterna, donde asumir la pasividad es un acto de fe servil. Esto estará reflejado en la odisea de Cleo por saber qué le ha pasado a su novio Fermín (Jorge Antonio Guerrero). La joven camina, y en algunos casos, salva los obstáculos de barro y los charcos de agua, caminando por calles fangosas rodeadas de chabolas (las “ciudades perdidas” que diría Buñuel de Los Olvidados, 1950) que se extiende hasta el infinito hasta llegar a un descampado.

 

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Aquí, la técnica de la panorámica vuelve a mutarse en travelling horizontal, siguiendo al personaje y al mismo tiempo retratando un mundo, una sociedad. Delante de Cleo pasa un niño disfrazado de astronauta con unas cajas, o al fondo del plano, como si la vida pasase “realmente” ante la protagonista, gente mirando un espectáculo circense de un hombre cohete. La carpa también se correrá ante Cleo y ante nosotros, cuando por fin encuentre a su novio. Fermín está entrenando en un descampado con un grupo de jóvenes y la protagonista decide pedirle alguna explicación de su desaparición, sobre todo sabiendo que está embarazada de él. Vemos planos generales de un grupo de jóvenes entrenando un arte marcial con palos. Alrededor de ellos se congregan la gente mirándolos y divirtiéndose con ellos. Conviene señalar la condición de espectáculo siendo disfrutado por el público a su alrededor.

 

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El dominio del grupo ejercido bajo su pasividad. Uno siendo controlado por unos siniestros personajes, vestidos con ropa militar o de calle y entre ellos, la figura de un ridículo entrenador, disfrazado como si fuese el mítico Santo, dándoles lecciones de concentración y haciéndoles repetir un bufo ejercicio, que ninguno de los allí congregados sabe hacerlo correctamente, salvo Cleo que lo copia a la perfección. La masa engatusada para hacer cualquier cosa, embelesada, sometida a la decisión de uno. De ahí a convertirlos en asesinos hay poco trecho, simplemente cambiándoles un palo por una pistola. Aquí también se reflejará muy bien el contexto social, haciéndonos partícipe de quien podría terminar en uno de esos batallones paramilitares. Los más desfavorecidos, aquellos que no tiene nada y pueblan la búsqueda de Cleo, y a los que se les puede prometer de todo. Pero hay otro apunte muy interesante. Uno de poderosa raigambre identificativa con el actante. Con esta secuencia hemos pasado de la caricatura a la violencia de los personajes, una transición lógica si atendemos al comportamiento que han ido teniendo en su relación. En un primer encuentro, en una habitación de hotel, Fermín la hace partícipe de una escenificación (repite los mismos movimientos con una vara de una bañera pero desnudo), no hay más que ver cómo Cleo le dedica una mirada de resignación por la futilidad del hecho y de cariño, arqueando su sonrisa hacia un lado, se está enamorando de él y después, en el descampado, antes de subir a un camión ya no de jóvenes sino de sicarios institucionalizados, Fermín la llegará a amenazar con matarla, a ella y a su bebéEl  rostro de Cleo se ha transformado pero no sólo el de ella, el de espectador también lo ha hecho. Hemos pasado de la sonrisa del primer momento a su congelación en el segundo.  Cosa curiosa, si creíamos que esto de la inocencia no nos podría salpicar, films como Roma, nos posiciona a todos ante ese candor y eleva a su protagonista a casi heroína mitológica cuando “salva de las aguas” a los niños que tiene a su cuidado, sabiendo que no sabe nadar.

No importa, una puede ser tontamente inocente (el desengaño amoroso), la pueden insultar (el padre le echa la culpa de las excreciones de un perro que no sale nunca de paseo) o llegar a ser ninguneada (cuando la ingresan para dar a luz, la abuela solamente sabe su nombre, no sabe nada más de ella) que ella lo soportará. Sus actos son de una inconsciencia terrible pero ejemplifican una honestidad inquebrantable que la posicionan en un lugar privilegiado, como símbolo (y sus actos son simbólicos al respecto, cuando suba una escalera, dirigiéndose a ese refugio que es la azotea donde ha tenido un momento de intimidad con el más peque de la casa, haciéndose la muerta con él mismo), como vínculo ya no solamente de una familia sino de una sociedad que ha estado ninguneando a las trabajadoras domésticas durante años, y donde los mexicanos han construido familias enteras.

 

                    Roma 5

  • Netflix
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    Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) TV/VOD Sun, 16 Dec 2018 22:52:33 +0100
    Terror Freak Cinema http://www.scifiworld.es/tv/terror-freak-cinema.html http://www.scifiworld.es/tv/terror-freak-cinema.html Terror Freak Cinema

    Ya online el primer programa.

    Ya se puede ver online la primera entrega de Terror Freak Cinema. Un programa de tv online sobre cine de terror hecho por frikis y para frikis del género. Desde el cine más gamberro y golfo, pasando tanto por la cartelera actual, el cine de culto y próximamente por los últimos vídeojuegos de terror.
    ¿Y qué tiene esto de novedoso? ¿Acaso no hay ya suficientes y múltiples podcast, fanzines, webs,... que hablan sobre el terror y el fantástico? Pues bien, la intención `rincipal es unificar todo lo mencionado en un formato audiovisual invluyendo uno o dos invitados estrella por programa.
    El actor y guionista Erik Gatby (TEATRACO A LAS 12) dirige y modera, Ángel Mora (ARTISTIC METROPOL y Canal SYFY), José Córdoba (CHIVI), Salariasa(AGUAS TURBIAS PODCAST), Reverendo Wilson (EL CALABOZO PODCAST) y servidor entre otros componen el equipo. A disfrutar.
    • Terror Freak Cinema
    • Miguel Ángel Vivas
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      ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) TV/VOD Tue, 02 Oct 2018 19:07:49 +0200
      A propósito de N. Episodio primero http://www.scifiworld.es/tv/a-proposito-de-n-episodio-primero.html http://www.scifiworld.es/tv/a-proposito-de-n-episodio-primero.html A propósito de N. Episodio primero

      Es un lugar donde algo significante, misterioso y oscuro ha pasado y se ha transformado en una especie de camposanto mítico donde un joven príncipe o rey fue asesinado.

                                                                                                       Josiah “Tink” Thompson.

      Palabras dichas por el periodista, exprofesor e incluso detective privado, a un Errol Morris en su cortometraje acerca de JFK (November 22, 1963). Así es como describía el lugar del magnicidio, Dealey Plaza (Dallas), y así es como me gustaría describir este espacio a propósito de Netflix. Un lugar simbólico, oculto y tenebroso capaz de albergar en su geografía hechos, cuanto menos, interesantes. Por lo tanto, éste no será un santuario para vellocinos de oro, ni tampoco un altar para adorar a la compañía norteamericana. No, pero lo que es indudable es su trabajo realizado hasta ahora. Uno donde pareciera que la heterodoxia se ejercita desde muy diversos ámbitos, y no estoy hablando de sus series, sino que hablaré de sus películas, cuyas formas “a la contra”, por irónico que parezca, se han convertido en un sello tentacular  extensible a diversos ecosistemas creativos. El entrecomillado es deliberadamente premeditado como locución adverbial demostrativa de  la gestación de un “huevo de la serpiente” en el sistema. Regresando al currículum, ¿quién lo iba a decir? La bola de nieve empezó a rodaren 1997, cuando Reed Hasting olvidó devolver una película a su videoclub. Lo penalizaron con una multa de cuarenta dólares por el retraso. Esto generó rabia al principio pero también alumbró la idea de la creación de una empresa, lo que siguió después ya es historia. Él y su colega, Marc Randolph, fundaron una empresa de películas de alquiler por demanda por internet. Luego vendría el 2007 con la tecnología binaria, añadiéndole un plus a su servicio, la inmediatez. Por si no fuera poco, creó además un algoritmo de sugerencias para su página web, un sistema que analizaba el comportamiento y gustos del cliente con el objetivo de contestar a una pregunta sencilla: ¿qué haces con tu tiempo libre? La respuesta descansa en el hecho incuestionable de que nos encontramos ante una evolución del entretenimiento, donde Netflix juega un papel preponderante ejerciendo su control. Primero apostó por un nuevo formato doméstico (dvd) y después por una técnica digital de contenido multimedia (streaming) descubriendo un nuevo camino de posibilidades. En este primer episodio hablaremos de una película “intranquila” que no deja resquicio al espectador, ubicándolo en una encrucijada estética: o te gusta o la odias, Aniquilación (2018). Después seguiremos con una gozada, sin más, Okja (2017). Ejemplos de discrepancia formal, para nada radical, que transitan hacia una disconformidad contestataria a través de un diálogo entre la forma y el fondo.  Pues eso, aprovechemos que el Pisuerga pasa por Valladolid entonces.

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       Aniquilación o el cuestionamiento del statu quo, cinematográfico.

      …y cuando contemplas la belleza de la desolación, algo cambia en tu interior. La desolación intenta colonizarte.”

                                                                                                                     Jeff Vandermeer.

      Hoy no se podría estrenar comercialmente una película como ésta, de hecho solamente se ha podido realizar en territorio USA. Bien, eso podría demostrar una cosa sobre todo por estos lares: la involución de la exhibición y distribución cinematográfica. Pero nos equivocamos desde el principio. Y es que Netflix entró en la producción de la película tarde pero en su justo momento, ya que algunos ejecutivos de Paramount, concretamente David Ellison, productor ejecutivo vinculado con Skydance, quería hacer cambios sustanciales en algunos personajes a lo que el equipo creativo del film encabezado por su director, Alex Garland, y el segundo productor ejecutivo, Scott Rudin se negaron. Pues bien, Paramount encontró una solución, Netflix entraría en la distribución realizándola en streaming a nivel internacional y de esta manera sufragar los 55 millones de dólares del presupuesto total de producción. Así, el resto del mundo se perdería la ficción en pantalla grande pero, sin embargo, ganaría la versión inalterada de su director, en otro tipo de  pantallas. 

      La aclaración nos puede a ayudar a desarrollar el tema del artículo, que no es otro que hablar de la forma más que del fondo de una historia. Yo mismo en la génesis de la elaboración del texto, no era consciente de este dato y si me hubiese mantenido ajeno al mismo podría haber seguido hablando de lo mal que está la distribución comercial y podría haber dicho que hace unas décadas, podríamos haber visto en nuestras pantallas todo tipo de ficciones pero encontrar un 2001, Una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968) o un Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979) hoy día sería imposible. La gran tragedia de nuestro tiempo es que no existe alternativa a Star Wars. Entonces habría que buscar otra estrategia, y claro está, eso pasaría por la oferta de Netflix. De esta manera este argumento encumbraría a la plataforma de VOD estadounidense como garante de la creatividad auspiciándola casi al olimpo del arte. Pero seamos sinceros, las cosas ocurrieron de otra manera y aunque Netflix nos haya dada la oportunidad de ser testigos de una película interesante, no se ha hecho por amor al arte, sino por un interés determinado: algunos gurús necios aventuraban que el estreno del film hubiese sido un fracaso estrepitoso, ya que la consideraban demasiado intelectual y que la mejor manera de recuperar lo invertido, sería su distribución en el servicio bajo demanda. De alguna manera Aniquilación nos dicta el sentido de la ficción en nuestro presente. Nos posiciona sobre la mesa el statu quo del séptimo arte y lo hace magistralmente, sin enterarnos, trabajando desde la sombra. Primeramente el thriller envuelve el relato de la bióloga Lena (Natalie Portman) que espera a su marido, el sargento Kane (Oscar Isaac), desaparecido hace un año. La ausencia en sí es un concepto que alimenta el suspense hasta que el Ulises regresa a su Ítaca particular (la secuencia en la que lo hace es demoledoramente aséptica en su contenido pero terriblemente interesante en su técnica, como descubriremos).

                           Aniquilación

       Después, como si formásemos parte de ese pelotón adentrándose a una “terra incognita”, el género va mutando a uno de ciencia ficción (una vez que cruzamos el umbral de la zona protegida llamada Resplandor en el film y Área X en la novela) y fantástico (con la presencia de la sempiterna figura del monstruo). E incluso podríamos decir que en algunos momentos, apoyándose en la banda sonora de la película, estamos rozando el experimental al gusto de un Ligeti. Esta variedad genérica podría responder al contexto de la creación fílmica, esto es, a una cierta postmodernidad en su diégesis pero si observamos con detenimiento, nos podremos dar cuenta del discurso formal. Para llevar a cabo semejante empresa se necesita solamente tener una cosa en mente: desafiar al espectador. Aniquilación, si bien no es un ejemplo de desubicación narrativa constante (cosa que sí que puede llegar a serlo su inspiración literaria de Jeff Vandermeer), sí que lo es a  ráfagas. ¿Y cómo se consigue? Apoyándose en varios elementos, que de alguna forma, lo confronta con el estado de las cosas cinematográficas actuales. Cuando se altera ese statu quo, aparece el estado de agitación, la conmoción que es de lo que trata, entre otras muchas cosas más, la película y la novela: de la naturaleza del cambio, del desequilibrio en definitiva. Y quien primero lo sufre en la historia son sus actantes. Casi todos en su jerarquía (ya sean incluso episódicos) se muestran apáticos, desanimados. Se encuentran vaciados por dentro, parecieran seres consumidos (la bióloga Lane), obnubilados (la paramédica Anya, Gina Rodríguez) o sin motivación alguna (la psicóloga Ventress, Jennifer Jason Leigh). En definitiva serían personajes heridos, que en algunos de los casos, deambulan por la trama parasitándola y ejerciendo de agentes extraños. Ante semejante construcción dramática, el proceso de identificación de la heroína no se produce. Por lo tanto es muy difícil que se cree el vínculo emocional entre el personaje y el narratario. El cordón umbilical entre ambos está cercenado. Esto nos haría recordar a personajes de otras ficciones ya citadas como al astronauta Bowman de 2001 o al escritor Pisatel de Stalker. Existen focos de esperanza en personajes ubicados al margen, secundarios, como el de la física Radek (Tessa Thompson) pero en seguida se desvanece cualquier tipo de apoyatura emocional. En un momento del film llega a decir a Lena que la doctora Ventress quiere afrontar el Resplandor, y que Lena quiere luchar contra él. Y ella dice que no opta por ninguna de las dos opciones. Después desaparecerá, engullida por la metamorfoseante naturaleza del pueblo donde se encuentran. Frente a la aniquilación existen dos opciones: no asumirla, ser lo suficientemente necio para no valorarla, o la asunción de la misma. Jossie Radek parece no mojarse, pero es el único actante que elige y asume su final, cosquilleándose su brazo por donde están sobresaliendo ramitas. Aniquilación en su tercera acepción gramatical significa hacer perder el ánimo. No cabe duda que los personajes de la ficción son unos desanimados y su única esperanza radica en la regeneración de otro cuerpo, otro sistema y para que el proceso tenga éxito hace falta solamente una cosa, morir en un lado y en el otro, creando algo completamente distinto de ambas cenizas.

                           Aniquilación 2

      Otro elemento desestabilizador tendría una característica conceptual, se trataría de realizar un viaje al otro lado. Tendríamos que disfrazarnos de Alicia y atravesar el portal “brechtiniano”. Nos encontraríamos con la consciencia misma de ser testigos de una ficción, de la edificación de una mentira. En definitiva ser consecuentes con la presencia de la cámara. Es curiosa la importancia que tiene el hecho durante toda la historia, ya que en la novela no existe. Varias veces aparece la presencia del objeto como estructura elíptica de la explicación de lo que vemos, simple y llanamente, mirándolo, siendo partícipes del propio plano. La posición de la cámara es vital para entender la información suministrada. Hablaré de una secuencia anodina en su contenido pero valiosa en su forma porque lo que nos llega a decir es que en la cotidianidad es donde reside la extrañeza (eso lo representa a la perfección David Lynch en sus obras). Y esto se realiza, no generando frustración sino curiosidad, pero una malsana auspiciada por el suspense. El sargento Kane regresa a casa. La primera reacción de Lena es la de la desconfianza de aquello que está viendo, su rostro pareciera que ha visto un fantasma en vez de a su marido. De alguna manera está cuestionando su incertidumbre de realidad pero inmediatamente, se abalanza sobre él abrazándolo, quiere creer lo que está viendo y sintiendo, presentándose ante el espectador quizás el único momento que vemos de la protagonista expresar sus emociones. Pero será un espejismo porque la conversación que tienen en la cocina, volverá a ubicarla en una posición de desconcierto y duda, de una sobriedad emocional aplastante. Ella, de pie demanda una explicación que no llega por parte de su compañero, sentado, casi amnésico al interrogatorio. Se sientan enfrentados en la mesa, uno a cada lado del otro. Lo lógico de la gramática clásico de la puesta en escena sería utilizar el plano/contraplano, que es utilizado, pero sorprende la utilización de un plano general, alejado, parapetado, en un pasillo tenue que muestra a Kane solo. Su cuerpo aparece como cercenado, la mitad se encuentra ubicada en un tenso fuera de campo, dando un fuerte protagonismo al vacío existente. Unos segundos después, Lena ocupará ese vacío inquiriendo más información acerca de dónde ha estado. La construcción de un malestar dentro de la narración propone el principio de su desestabilización.

                            Aniquilación 4

       Y esto nos llevaría a un tercer elemento del que ya hemos avanzado algo con la explicación de la secuencia, es decir, la dosificación de la información. La historia empieza por el final y la labor del montaje es fundamental. Lena es una superviviente encarcelada en una habitación, sujeta a una férrea interpelación. A partir de ese momento iremos yendo y viniendo a medida que se vaya graduando el interés de lo que está narrando. A través de flashbacks veremos “su historia”. La utilización de carteles con los títulos de las partes de la narración, a modo de capítulos, da a entender la existencia de la manipulación, ya no sólo por parte de los creadores de la historia, sino quizás por parte de la propia protagonista. Los recuerdos serán importantes para poder desarrollarlos con precisión y eficacia, pero ¿son reales? ¿Eso fue lo que pasó realmente? La incertidumbre será el otro protagonista de la trama. Aniquilación como obra interesante en el panorama “cinematográfico” actual, cuestiona su statu quo y lo hace confeccionando preguntas sin saber muy bien la respuesta. ¿Qué significa ser humano? ¿Y qué significa confrontarse con lo desconocido? 

      Con eso como punto de partida, empecé a concebir un relato para el farero, […]. Resultaba difícil, porque no sabía nada de su vida, no contaba con ningún indicador que me permitiera imaginármelo.

                                                                                                                                                 Jeff Vandermeer.

                                                               okja 3

       Okja y la asunción de una responsabilidad.

      Aprendo cada día, cada hora pero ¿cómo se aprende? Dejándose sorprender. Haciendo ver que dónde estaba el prejuicio llegue el juicio.

                                                                                                                Antonio Escohotado.

      Siempre estoy aprendiendo con las películas de Bong Joon Ho porque siempre acaban sorprendiéndome. Es cierto que el director surcoreano juega constantemente con el espectador, pero aun así, lo hace de una manera tan maravillosa que no eres consciente hasta que el efecto ha sido escenificado. Utiliza una herramienta narrativa fundamental que se aúna con otra visual y ambas, se conglomeran para crear la puesta en escena sublime. La posición de la cámara se alía con el guion, o quizás con el storyboard técnico, y se produce el milagro: el plano secuencia. El director usa el montaje pero el misterio de sus películas siempre sucede en el plano virgen, aquel que no está montado sobre otros. Aquel que refleja la causa y el efecto al mismo tiempo y no hay que esperar a la cesura para dar continuidad narrativa. Con esto no quiero decir que Bong Joon Ho reniegue del montaje, todo lo contrario, además creo que lo hace también magistralmente. En Okja tenemos la secuencia del accidente al comienzo del relato, cuando nos encontramos en plena presentación de los actantes que demuestra su valía. Lo que quiero decir es que en la elaboración del plano secuencia se encuentra la operación primordial de su trabajo: el énfasis utilizado. Alexandre MacKendrick dijo una vez que lo que un cineasta dirige realmente es la atención de la audiencia, por tanto podríamos rubricar lo que Tony Zhou dice en su serie de mini documentales sobre la estética fílmica (Every Frame a Painting): “dirigir es una cuestión de énfasis. Uno enfatiza lo que es importante al desenfatizar lo que no es tanto.” Concluiríamos entonces que el subjetivismo sería esencial en la construcción cinematográfica y que a través de herramientas como el plano secuencia, trabajada por tantos y tan grandes directores de todo el mundo, podríamos enseñar pero también ocultar un mundo al espectador.

      En la mostración y encubrimiento de la información se encuentra la riqueza del director surcoreano. Su filmografía da fehacientes pruebas de ello. (Memories of Murder o The Host). En Okja, esa herramienta está más depurada y parece en menor medida que en otras ficciones de su autor, pero eso no quita que el efecto que vaya a conseguir haya mutado de otra manera. Tenemos una conversación entre Maji (Seohyun An) y su compañera (me niego a describirla como mascota) al principio de la historia, la cual desconocemos porque no podemos oírla (desaparece medio rostro de la protagonista debajo de una de las orejas de Okja)  y termina con otra, está vez de la compañera a Maji, de la que tampoco somos participes. Existe algo que solamente pertenece al ámbito privado de esos dos personajes. Algo quizás por lo que ha valido la pena luchar. Desde el rapto del animal hasta la persecución por Seúl, llegando hasta la batalla campal en las calles de New York y finalizando en ese campo de concentración cárnico, lo que se ha puesto a prueba ha sido la fuerza de voluntad de Maji ¿Cómo se construye? ¿Cuál es su motor? El director nos puede haber dado la clave, nada más empezar la película, en esa conversación con ese plano del ojo de Okja ampliando su pupila a medida que escucha a Maji susurrarla algo.

                           Okja 1

       Además de existir una complicidad notoria, observamos un hecho fantástico, quizás por la química, el animal además de escuchar parece sentir algo con ese sutil gesto. Más adelante también volverá a repetirse conductas humanas sobre el animal en el desfiladero con Maji. Por tanto estaríamos ante una alianza entre los dos personajes y el rescate de Okja, es llevado bajo el paroxismo de la amistad alimentando una cierta testarudez en la heroína que la otorga la fuerza para seguir adelante, no importando el desafío, es más cuanto mayor es, más conecta con el deseo de superarlo. Podríamos ubicar una escala de proporciones, empezando por lo pequeño, la superficie de cristal que la impide pasar al otro lado, en la sucursal de Mirando en Seúl, a algo más grande,  cuando corre en pos del camión que lleva a Okja llegando a encaramarse al vehículo y evitando la altura de los sucesivos túneles por lo que va introduciéndose. A cada paso mayor peligro. El tamaño sí que importa. El tamaño de Okja en su presentación nos habla de lo grande que es pero también, paradójicamente, de lo débil que es, cuando se resbala por el riachuelo. No cabe duda que el director empieza a establecer vínculos con el espectador, construyéndole su afinidad con el personaje. Pero quizás en su contrario podamos comprender mejor de que se sustenta la lucha de Maji. Y es que en la película existen más ejemplos de lucha, como aquellos que fracasan estrepitosamente. Le pasa al grupo de defensa animal compuesto por idealistas, que se pasan haciendo lo que consideran correcto y después acaban realizando su contrario. Quieren rescatar a Okja de las fauces de Mirando para después entregársela en bandeja a la misma corporación. Maji es engañada por uno de sus integrantes. Y la secuencia en la factoría donde Okja es forzada por un macho de su misma especie es demoledora al respecto. Mientras lo ven, no dejan de observar sus propios errores, unos que volverán a repetir una y otra vez. Pareciese que estuviésemos ante unos hijos de papá, atolondrados, que ven todo desde la confortabilidad del otro lado. Y aunque reciben de lo suyo cada uno, pareciese más un castigo recibido por su inoperancia ante los hechos. Al final Okja acaba prisionera gracias a sus salvadores. Es una lucha innecesaria, absurda (intentan por todos los medios no utilizar la violencia en sus “perfomances”), está vacía de contenido y no tiene ningún sentido. La música de Jaeil Jung nos aporta más claves al respecto. La presentación de este destartalado grupo aparece junto a fanfarrias de trompetas como si el circo hubiese hecho acto de presencia en la trama. ¡Señores y señoras con todos ustedes…! Lo absurdo catapulta al relato al desconcierto. El grupo pacifista intentando secuestrar a Okja, y enfrentándose con la policía con paraguas de colores, ejemplifica muy bien la incoherencia del enfrentamiento pero también nos habla del acto irreflexivo del grupo, frente a la férrea decisión de la construcción de una responsabilidad por parte de Maji en su tarea de regresar con Okja a las montañas. Regresamos al maestro Escohotado cuando le preguntaron que qué les diría a los jóvenes de ahora: “Que se las arreglen como puedan. La libertad reclama que cada cual se la juegue. Que piensen por sí mismos. Asumamos responsabilidad plena y completa por nuestras acciones y nuestras ideas.” Todo eso lo podría representar Maji, ¿por qué no el grupo de defensa animal?

                            Okja 2

       

      • Netflix
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        Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) TV/VOD Fri, 21 Sep 2018 22:33:08 +0200
        La saga "Depredador" en TRECE http://www.scifiworld.es/tv/la-saga-depredador-en-trece.html http://www.scifiworld.es/tv/la-saga-depredador-en-trece.html La saga

        Coincidiendo con el estreno de la nueva entrega, TRECE  este fin de semana las tres películas de la saga original.

        Los amantes de la ciencia ficción tienen este fin de semana una cita en TRECE con la emisión de las tres películas que conforman la saga original de “Depredador”. “Depredador” (sábado, 22.15H), “Depredador 2” (sábado, 00.00H) y “Predators”, (domingo, 22.15H).

        Coincidiendo con el estreno de la última entrega protagonizada por Boyd Holbrook y Olivia Munn, TRECE rinde homenaje a todos los seguidores del temido extraterrestre y ofrece completa una saga que sigue atrayendo a millones de espectadores y que han protagonizado Arnold Schwarzenegger, Danny Glover y Adrien Brody, entre otros.

        Esta saga atesora varias anécdotas como que los directores añadieron hojas falsas a la selva mexicana para dar mayor sensación de agobio, que intentaban buscar planos muy cerrados con la inmensidad de la selva detrás para que se sintiera que el monstruo podía atacar desde cualquier punto, y que Jean Claude Vam Damme fue el primer actor en vestir el traje original de “Depredador”, pero finalmente abandonó el proyecto por desavenencias con el mismo.

        Depredador (Sábado, 22.15H)

        En “Depredador” nos encontramos con un comando de mercenarios contratados por la CIA que ha sido enviado a la selva para rescatar a unos pilotos apresados por la guerrilla. Cuando están regresando de la misión descubren que se enfrentan a algo misterioso que les está dando caza uno a uno. Arnold Schwarzenegger es el encargado de enfrentarse a este desconocido y misterioso enemigo que resulta ser un alienígena que atesora las calaveras de sus víctimas como trofeo.

        Depredador 2 (Sábado, 00H)

        En la secuela protagonizada por Danny Glover la acción cambia de escenario y la aterradora criatura se traslada de la selva a la ciudad de Los Ángeles.

        Predators (Domingo, 22.15H)

        Más lejos llega esta tercera parte. De hecho, la acción se traslada a otro planeta al que es enviado un comando formado por asesinos a sueldo, yakuzas, presidiarios, etc. Royce (Adrien Brody), mercenario, es el cabecilla de este grupo que terminará comprendiendo que han sido enviados a un planeta lejano para servir de presa.

         

         

        • Depredador
        • Predator
        • The Predator
        • Trece
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          ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) TV/VOD Thu, 13 Sep 2018 21:41:04 +0200
          Exclusiva: Avance de la serie Nightflyers http://www.scifiworld.es/tv/exclusiva-avance-de-la-serie-nightflyers.html http://www.scifiworld.es/tv/exclusiva-avance-de-la-serie-nightflyers.html Exclusiva: Avance de la serie Nightflyers

          La serie de Netflix que se basa en la novela corta de George R.R. Martin

          Compartimos con vosotros en exclusiva, el avance de la esperada serie Nightflyers de Netflix, basada en la novela corta de George R.R. Martin. Disfrútalo a continuación.

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          Basado en la novela del autor de Canción de Hielo y Fuego y su adaptación Juego de Tronos, George R. R. Martin, Nighflyers está ambientada en un futuro justo antes de la destrucción de la Tierra. Una tripulación de exploradores viaja en el vehículo espacial más más moderno de la galaxia, The Nightflyer, para interceptar una misteriosa nave alienígena que podría ser la clave de su supervivencia. A medida que la tripulación se acerca a su destino, descubren que la inteligencia artificial de la nave y su capitán nunca visto pueden llevarlos a horrores terribles e indescriptibles en los oscuros confines del espacio.
           
          Gretchen Mol (Boardwalk Empire) interpreta a la Dra. Agatha Matheson junto a Eoin Macken (The Night Shift) como Karl D'Branin, David Ajala (A todo gas 6) como Roy Eris, Sam Strike (Gente de barrio) como Thale, Maya Eshet (Teen Wolf) como Lommie, Angus Sampson (Fargo) como Rowan, Jodie Turner-Smith (The Last Ship) como Melantha Jhirl y Brían F. O'Byrne (Million Dollar Baby) como Auggie.

          • Nightflyers
          • Netflix
          • George RR Martin
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            info@scifiworld.es (Scifiworld) TV/VOD Tue, 15 May 2018 10:54:01 +0200
            Trilogía "Tiburón" en TRECE http://www.scifiworld.es/tv/trilogia-tiburon-en-trece.html http://www.scifiworld.es/tv/trilogia-tiburon-en-trece.html Trilogía

            El canal TRECE emitirá este sábado 19 las tres primeras películas de JAWS.

            Los chicos de TRECE siguen dando alegrías a todo cinéfilo que se precie. La última se emitirá este sábado 19 a partir de las 20.30 h. Las tres primeras cintas de la saga Tiburón, una iniciativa estupenda ya no solo para ir dando la bienvenida al inminente verano, sino para dar una oportunidad a todo tipo de generaciones de ver las tres películas seguidas. Una gran ocasión para, sin salir de casa, darse un atracón de buen cine.

            Twitter https://twitter.com/CineTRECEtv/status/995967341333766145

            • Tiburon
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              ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) TV/VOD Mon, 14 May 2018 13:16:10 +0200
              Ciclo Cine de los 80's en TRECE http://www.scifiworld.es/tv/ciclo-cine-de-los-80s-en-13tv.html http://www.scifiworld.es/tv/ciclo-cine-de-los-80s-en-13tv.html Ciclo Cine de los 80's en TRECE

              TRECE dedica este sábado 20 de abril a títulos imprescindibles de esa década como "La Historia Interminable" o "Lady Halcón"

              Este sábado, TRECE ofrece a los espectadores la oportunidad de regresar a su infancia o juventud y vivir el cine de los 80. La programación estará dedicada a los títulos más destacados de dicha década. Los espectadores podrán disfrutar de títulos icónicos de la historia del cine, viajando en el tiempo y recordando grandes obras que, aún hoy, siguen siendo una referencia.

               ‘La historia interminable’ será el plato fuerte, pero vendrá acompañada por otros títulos imprescindibles como ‘Lady Halcón’ o ‘Tras el corazón verde’. Actores de la talla de Mel Gibson, Michelle Pfeiffer, Kurt Russell o Arnold Schwarzenegger representarán el espíritu del cine ochentero.

              Además de la proyección de grandes películas, TRECE dispondrá de contenidos en su web y redes sociales sobre estos títulos, completando así una experiencia que llenará de nostalgia a los fans del cine de los 80 y permitirá que nuevos espectadores redescubran esta fantástica década del séptimo arte.

              Un sábado para el recuerdo

              El sábado 21, la programación de TRECE contará con varios platos fuertes a lo largo del día, con gran presencia del cine fantástico de los 80. A las 15:00h. llega ‘Tras el corazón verde’ (1984), una divertida aventura ambientada en la selva sudamericana, con Michael Douglas, Kathleen Turner como protagonistas y con Danny DeVito completando el reparto en un fantástico papel secundario.

              A las 17.30h, turno de la secuela de la película anterior. ‘La joya del Nilo’ (1985), obra que consigue igualar el humor de la película original con una nueva aventura para los protagonistas, con un arriesgado rescate como hilo conductor.

              A las 19.00h TRECE emite una de las películas más icónicas de los 80, ‘La historia interminable’ (1984), toda una referencia en el cine de fantasía que logró conmover al público con una serie de personajes geniales y una dirección artística maravillosa.

              A las 20.30h se emitirá ‘El guerrero rojo’ (1985), obra protagonizada por uno de las grandes referencias del cine de acción de los 80, Arnold Schwarzenegger, que acompaña a Brigitte Nielsen en esta película de fantasía.

              A las 22.00h, en el Cine Sin Cortes, TRECE cerrará el ciclo con otra joya de los 80, ‘Lady Halcón’ (1985), una película que narra un romance fantástico entre Michelle Pfeiffer y Rutger Hauer, que serán víctimas de una terrible maldición.

              Contenido sobre el ciclo en redes

              El cine de los 80 no solo llegará a las pantallas de TRECE, sino que también contará con contenido en sus espacios digitales. En trecetv.es los espectadores podrán encontrar noticias con información acerca de las películas. Además, en Twitter se apoyará la emisión de las películas con curiosidades sobre los títulos a través de las cuentas oficiales del canal, permitiendo a los seguidores interactuar a través del hashtag #VuelvenLos80TRECE. De esta forma, el canal se vuelca de lleno con el cine de esa década y ofrece a los espectadores una oportunidad única para hacer un viaje cinematográfico apasionante.

               

               

               

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              ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) TV/VOD Fri, 20 Apr 2018 11:01:13 +0200
              ¿El Joker? ¡No, es Jerome White! http://www.scifiworld.es/tv/el-joker-no-es-jerome-white.html http://www.scifiworld.es/tv/el-joker-no-es-jerome-white.html ¿El Joker? ¡No, es Jerome White!

              Descubre el nuevo y loco tráiler de la cuarta temporada de Gotham

              Os presentamos el nuevo tráiler de la cuarta temporada de Gotham, en el que de la mano de Jerome White conocemos a la Legion de los Horribles que aterrorizará Gotham en esta nueva temporada y que provocará más de un dolor de cabeza a Jim Gordon.

              Pese a que pueda parecerlo, Jerome White no es el Joker que todos amamos y conocemos. El verdadero Joker será introducido más tarde en la serie.

              El nuevo tráiler nos deja entrever un gran misterio que lo cambiará todo en la serie. Veremos hacia donde nos llega esta serie que tantas alegrías no está dando.

              {youtube}q432ZX6SHsc{/youtube}

              • Gotham
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                info@scifiworld.es (Scifiworld) TV/VOD Tue, 03 Apr 2018 11:24:24 +0200
                The CW renueva su parrilla de series http://www.scifiworld.es/tv/the-cw-renueva-su-parrilla-de-series.html http://www.scifiworld.es/tv/the-cw-renueva-su-parrilla-de-series.html The CW renueva su parrilla de series

                Todas las series DC, Supernatural, Riverdale y más

                El canal de Warner, The CW, ha anunciado la renovación de sus series. Así pues, Arrow tendrá séptima temporada; The Flash llegará a su quinta; Supergirl estrenará cuarta temporada, al igual que Legends of Tomorrow. También la nueva incorporación, Black Lightning, que en nuestro país se puede seguir a través de Netflix, ha sido renovada por una segunda temporada. ¿Veremos un nuevo crossover entre todas ellas?

                Por supuesto, los fans de los hermanos Winchester podrán disfrutar de la 14 temporada de Supernatural, ¡en la que se cumplirá su episodio 300!

                Otras series que han sido renovadas son: Riverdale (temporada 3); Jane the Virgin (temporada 4); Crazy Ex-Girlfriend (temporada 4) o Dinasty (temporada 2).

                • Arrow
                • Flash
                • Legends of Tomorrow
                • Supergirl
                • Black Lightning
                • Supernatural
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                  info@scifiworld.es (Scifiworld) TV/VOD Tue, 03 Apr 2018 11:08:49 +0200
                  Prepárate para perderte en el espacio http://www.scifiworld.es/tv/preparate-para-perderte-en-el-espacio.html http://www.scifiworld.es/tv/preparate-para-perderte-en-el-espacio.html Prepárate para perderte en el espacio

                  Ya está aquí el tráiler del reboot de Lost in Space de Netflix

                  Ya está aquí el primer tráiler completo de Lost in Space, la reimaginación de Netflix sobre la serie de los años 60 que nos traslada a 30 años en el futuro. Un futuro en el que la colonización del espacio es una realidad y la familia Robinson es una de las seleccionadas para empezar una nueva vida en un mundo mejor. Pero, los colonos se encontrarán con dificultades que los apartarán de la ruta hacia su nuevo hogar teniendo que sobrevivir en un entorno alienígena hostil a años luz de su destino original.

                  Lost in Space está protagonizada por Toby Stephens, Molly Parker, Taylor Russell, Mina Sundwall y Max Jenkins. Escrita por Matt Sazama y Burk Sharpless, con Zack Estrin como showrunner, la serie se estrenará el próximo 13 de abril en Netflix.

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                  • Lost in Space reboot
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                    info@scifiworld.es (Scifiworld) TV/VOD Tue, 06 Mar 2018 16:51:28 +0100